LIBROS DE TEXTO
- VV.AA: “Lengua y Literatura castellana 3º ESO, tomo II” Editorial EDEBÉ. Año 2014
- VV.AA: “Lengua y Literatura castellana 3º ESO, LITERATURA". Editorial ECIR/ TABARKA. Año 2016.
- VV.AA: “Lengua y Literatura castellana 3º ESO, LITERATURA". Editorial ECIR/ TABARKA. Año 2016.
BLOG DEL AULA
MUSEOS
PÁGINAS WEB DE OTROS MUSEOS
- Museo Guggenheim – Bilbao: www.guggenheim-bilbao.es
- Museo Reina Sofía – Madrid: www.museoreinasofia.es
- Museo Thyssen-Bornemisza – Madrid: www.museothyssen.org
- Museo del Prado– Madrid: www.museodelprado.es
- Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León – León: www.musac.es
- Museo de las Artes y las Ciencias – Valencia: www.cac.es
- Museo de Arte Moderno (MoMA) – Nueva York: www.moma.org
- Museo Británico – Londres: www.britishmuseum.org
- Museo del Louvre – París: www.louvre.fr
- Museo de Orsay – París (en español) – www.musee-orsay.fr
- Museo de Hermitage – San Petesburgo: www.hermitagemuseum.org
- Museo Nacional de Escultura: museoescultura.mcu.es
- Museo de Arte Contemporáneo Español: www.museopatioherreriano.org
- Museo de la Ciencia: www.museocienciavalladolid.es
- Fundación Cristóbal Gabarrón: www.fc-gabarron.es
- Museo de las Ferias – Medina del Campo: www.museoferias.net
- Parque Mudéjar de Castilla y León – Olmedo: www.pasionmudejar.com
- Museo del Vino – Peñafiel: www.museodelvinodevalladolid.es
- Museo Arqueológico de Alicante – Alicante: www.marqalicante.com
- Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona – Barcelona: www.macba.es
- Museo Picasso – Málaga: www.museopicassomalaga.org
- Museo de Francisco Salzillo – Murcia: www.museosalzillo.es
- Museo de Bellas Artes de Asturias – Oviedo: www.museobbaa.com
- Museo del PuebLo Gallego – Santiago de Compostela: www.museodopobo.es
Realiza TOURS VIRTUALES por algunos de los museos más maravillosos del mundo
- Museo Del Prado (España) Visita las colecciones del Museo Del Prado por época, nombre de autor, materiales, escuela artística, temas y técnicas. Cada obra contiene fichas con información detallada.
- Museo Nacional Reina Sofía (España) Ofrece archivos de audio y vídeo para aprender mas sobre arte, así como detalles de las obras más destacadas de la colección.
- The British Museum (Reino Unido) Explora el gigantesco acervo de las colecciones y galerías de este museo que contiene dos mil años de historia sobre la civilización y el arte, con alrededor de 5 mil piezas para ver.
- Tate Modern (Reino Unido) Conoce la colección de arte moderno y contemporáneo, con un archivo de alrededor de 22 mil piezas de 4 mil artistas. Están divididos por escuelas, artistas y técnicas.
- The National Museum of Computing (Reino Unido) Para una experiencia verdaderamente virtual, conoce el sitio de este museo, cuyas cámaras de realidad virtual y aumentada te permiten experimentar ambientes virtuales dedicados a la historia de la computación.
- Museo del Louvre (Francia)Visita en línea las salas y galerías del museo, así como las fachadas del edificio. Encontrarás colecciones de arte egipcio, así como de pinturas y objetos de la época de Luis XIV. Hallarás alrededor de 1,300 piezas.
- Museos del Vaticano (Vaticano)En su catálogo en línea, podrás ver cientos de piezas de las vastas colecciones, como las de arte etrusco, egipcio, colección de tapices, pinacoteca, arte contemporáneo y cristiano.
- Rijksmuseum (Países Bajos)Conoce todo sobre el Siglo de Oro Neerlandés, en una impresionante colección de casi 165 mil piezas, incluyendo las de Vermeer y Rembrandt.
- Guggenheim Museum (Estados Unidos) Aprende todo sobre casi 1,700 piezas de 635 artistas, con colecciones especiales sobre arte contemporáneo, arte asiático y arte global.
- Museo Natural de Historia Natural Smithsonian (Estados Unidos) Realiza tours virtuales por las salas del museo, con la posibilidad de acercarte a cualquier objeto exhibido. Algunas piezas están en muy alta resolución. Encontrarás información de más de 10 mil piezas y vistas panorámicas y 360.
- Getty Museum (Estados Unidos) Explora una colección de arte europeo y asiático en pintura, dibujo, manuscritos y artes decorativas, así como las colecciones de fotografía europea, asiática y americana. También encontrarás interesantes recursos en audio y vídeo.
- The Metropolitan Museum of Art (Estados Unidos) Además de poder ver detalles de sus colecciones de arte antiguo, moderno y contemporáneo, en esta lista de reproducción podrás ver videos con tecnología 360 del interior del edificio. Solo arrastra tu cursor hacia los detalles que quieras observar.
- Museo Nacional de Antropología e Historia (México) Conoce el arte, escultura, herramientas y cultura de los pueblos originarios mexicanos, como los mexicas y los mayas. Dentro de la navegación del sitio encontrarás filtros por cultura, regiones y técnicas.
- Museo Botero (Colombia) Explora las casi 6 mil piezas de arte colombiano, internacional y de Fernando Botero disponibles en línea. También podrás conocer las colecciones de numismática, filatelia, instrumentos y manuscritos.
- La Pinacoteca de Sao Paulo (Brasil) Es un museo de artes visuales con un énfasis en el arte brasileño desde el siglo XIX hasta la actualidad. Podrás ver en línea alrededor de 600 piezas de su colección.
- Museo Nacional de Tokio (Japón) Conoce las exhibiciones virtuales de este museo que contiene colecciones de pintura, escultura, arquitectura, cerámica, espadas, textiles y mucho más del arte japonés.
- Long Museum -West Bund- (China) Fundado por una pareja de coleccionistas de arte, alberga una amplia colección de arte chino tradicional, moderno y contemporáneo. Incluye artefactos, cerámica, caligrafía, tinta, papel y mucho más. Podrás explorar aquí alrededor de 400 piezas.
- Barjeel Art Foundation (Emiratos Árabes Unidos) Conoce alrededor de mil piezas de la colección personal de arte del Sultán Sooud Al Qassemi, dedicada a la herencia cultural y el arte árabe. Podrás buscar piezas y colecciones con filtros por países y artistas.
- Galería de Arte de Johannesburgo (Sudáfrica) Contiene una de las mayores colecciones de arte moderno y contemporáneo de la África subsahariana. Cuenta con colecciones de dibujo, pintura, fotografía, escultura e instalación; así como exposiciones en línea sobre arte LGBT y resistencia por la igualdad racial.
- Melbourne Museum (Australia) Consulta los diversos recursos de aprendizaje y contenido audiovisual del museo más grande del hemisferio sur. Podrás explorar por temas, autores, épocas o tipo de pieza. Se especializa en temas de ciencia, antropología e historia natural.
RECURSOS DE DISEÑO
RECURSOS PARA CREAR LA PÁGINA WEB
Google Sites:
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RECURSOS PARA LA SELECCIÓN Y TRATAMIENTO DE IMÁGENES
- Las imágenes deberán ser adecuadas, es decir, serán atractivas y tendrán que tener una vinculación con el tema y el contexto tratado.
Hay que tener mucho cuidado con la utilización de las imágenes que no son de nuestra propiedad, como las que circulan por la red.
Se debe respetar siempre los derechos de autor de las mismas, por lo que para manipular imágenes ajenas es muy importante que conozcas previamente las licencias bajo las cuales está permitido su uso y distribución: Las licencias Creative Commons
Se pueden encontrar imágenes de alta calidad en páginas en las que los usuarios comparten sus fotografías y permiten su uso a otros usuarios de Internet.
Se llaman bancos de imágenes, como por ejemplo:
Banco de imágenes con licencia CC:
- Pixabay
- Pexels
- Unsplash
- Iconfinder
- Morguefile
- Flickr
- Bancos de imágenes
- Creative Commons
- 21 bancos de imágenes gratis
Búsqueda de iconos e imágenes
De cara al diseño de gráficos, os recomendamos algunos enlaces para localizar iconos:
iKons IconFinder SoftIcons FindIcons IconArchive 72 Conjuntos de Iconos de Social Media Gratuitos 5000 iconos Iconos para educación Vectores para descargar Iconspedia Iconos de dominio público
Editores de imágenes
Gimp Canva Spark.adobe. Este enlace y en este encontrarás ideas para usar el programa. Easel.ly Piktochart Infogr.am Visual.ly
- Educación 3.0: Estos son los mejores bancos de imágenes gratuitos
- Los 15 mejores programas gratis para editar imágenes o fotografías
- http://ignaciosantiago.com/banco-imagenes-gratis-web/
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- http://manuelvicedo.com/marketing-online/banco-imagenes-gratis/
HERRAMIENTAS PARA LA EDICIÓN DE IMÁGENES
PicResize
Es muy importante que el tamaño del archivo de una imagen que subes a una página web sea lo más pequeña posible (para que se cargue rápido) y mantenga la calidad (que no salga pixelada, borrosa…)
Esta herramienta te permite subir cualquier imagen desde tu ordenador o URL y reducir su tamaño a la mitad manteniendo la calidad de la misma.
Skitch
Una herramienta de edición de imágenes y capturas de pantalla diseñada para comunicar rápidamente con pocas palabras mediante el apoyo de formas y dibujos.
Picmonkey
Una aplicación web de edición de fotos similar a Skitch pero con un mayor número de herramientas para retocar las fotos como efectos al estilo Instagram, texturas, marcos de foto, sellos y todo tipo de letras.
Canva
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RECURSOS PARA CREAR EL LOGOTIPO
Consejos para la creación de tu logo:
- Sencillez:
- No usar demasiados colores, lo mejor es no usar más de dos o tres
- Utilizar tipografías sencillas, que sean muy legibles
- Mejor si la imagen es plana, evita los degradados, el 3D y las sombras
- Haz un brainstorming "Tormenta de ideas"
Pero antes de nada te recomendamos que hagas un ejercicio de visualización, de búsqueda de inspiración.
Observa logotipos de diversas marcas, de otros congresos... en Pinterest o en cualquier fuente o medio que pienses que pueda inspirarte.
Ve anotando en un papel todas las ideas, diseña el logo con lápiz y papel antes del proceso de digitalización.
Fuentes de inspiración
- Logoholik: un sitio diseñador por Bojan Stefanovic, un diseñador que se declara adicto a los logotipos y nos muestra un buen portafolio de diseños y conceptos.
- Logopond: un sitio con una impresionante galería de logotipos, con diferentes categorías y cuenta con un foro. Puedes pasar horas en él.
- Logo Design Love: el nombre es muy persuasivo para comprender que en el sitio, encontrarás muchos ejemplos y recursos sobre logotipos.
- Logosauce: una galería de logotipos, que cuenta con un blog, una sección de competencia de logos y el top 6. Puedes compartir tu logotipo en este sitio, sólo debes registrarte.
- Brand New: un blog que publica interesantes post sobre logotipos, reflexionando sobre los cambios de algunos logotipos, las tendencias y ejemplos inspiradores.
- Piensa en el color o colores más adecuados para tu logo
La Psicología del color estudia el efecto que tienen los colores en la percepción de la conducta. Por ello es importante conocer el significado de los diferentes tonos y la relación que tienen con los sectores profesionales. Por ejemplo, el color rojo simboliza la pasión, la acción, el peligro, etc. Si nuestra empresa está enmarcada en el sector sanitario, este color no sería el adecuado ya que nos chocaría mucho visualmente. Debemos seleccionar una paleta de color adecuada, unos dos o tres colores que combinen entre sí. Una vez establezcas tu color o colores corporativos, deberás utilizarlos en tu web y papelería corporativa.
- Selecciona una o dos tipografías
Hoy en día está bastante de moda la combinación de dos tipografías para crear un logo. Te recomiendo que utilices una más sencilla de palo o sin serifas como base y otra un poco más elaborada. Si te decantas por esta opción probablemente no necesites mucho más para el diseño de tu logotipo. Juega con la posición y el tamaño de ambas tipos para crear un diseño espectacular.
- Busca un icono representativo
Si por lo contrario prefieres utilizar un dibujo o icono que acompañe al nombre de tu marca puedes optar por un elemento vectorizado. Esta imagen debe ser totalmente acorde con el resto de elementos como el color y la tipografía.
Los iconos puedes conseguirlos en las siguientes páginas:
- Flaticon– el mejor buscador para iconos. Esta plataforma te permite cambiarle el color a cada icono antes de descargarlo y elegir el tamaño que necesitas.
- The Noun Project – otro buscador que te permitirá descargar gratis iconos para reforzar tu mensaje.
- Comprueba que tu idea tenga sentido y se entienda bien
Cuando trabajamos sobre una idea o concepto durante mucho tiempo, a veces perdemos el norte y ya no somos objetivos.
En este caso lo mejor es pedir opinión a alguien que no tenga relación con el proyecto. De esta manera podemos cerciorarnos de que nuestra idea es clara y se entiende.
Herramientas para la creación de logotipos
Online Logo Maker: Una herramienta gratuita con la que podrás diseñar un logo para tu marca en el acto. Tan sólo tendrás que que darte de alta para poder acceder al servicio. Puedes añadir texto, símbolos e incluso subir imágenes. Encontrarás una gran variedad de tipografías con las que podrás jugar.
Crear Logos Gratis Online: Esta página te permite crear logos gratis en 4 sencillos pasos y descargarlos en alta resolución. La verdad es que han reducido a pocos pasos la producción del logo y es muy fácil de usar
Canva: La herramienta canva también dispone de un apartado para la creación de logotipos
Crear Logos Gratis Online: Esta página te permite crear logos gratis en 4 sencillos pasos y descargarlos en alta resolución. La verdad es que han reducido a pocos pasos la producción del logo y es muy fácil de usar
Canva: La herramienta canva también dispone de un apartado para la creación de logotipos
RECURSOS PARA TRABAJAR EL PERIÓDICO DIGITAL
Como ya os mencionamos durante la actividad, tenéis que contactar con aquellos compañeros de tercero que están completando la misma tarea para presentar un trabajo en conjunto. El resultado final tendrá que reflejar un modelo de cada subgénero periodístico en una única revista digital.
Para completar la tarea deberéis completar la revista digital del I Congreso de enfrentamientos de Oro con la herramienta Lucidpress.
Lucidpress es un software que nos permite, diseñar y maquetar, de forma sencilla, publicaciones digitales o para impresión.
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Una gran ventaja de este software es que está integrado con Google Drive, esto permite que podamos compartir el documento y trabajar en él de forma colaborativa, editándolo entre varias personas, tener acceso a nuestros archivos y sincronizar los proyectos en cualquier momento.
Para utilizar Lucidpress, lo primero de todo es registrarse, para ello podemos hacerlo por la vía tradicional (indicando nombre de usuario, correo electrónico y contraseña), o a través de nuestras cuentas de Google o Yahoo.
Una vez hecho el registro, recibirás un mensaje de bienvenida en tu correo electrónico. |
Como hemos mencionado anteriormente, Lucidpress se integra con Google Drive, gracias a esto podemos utilizar archivos que tenemos guardados en el Drive o guardar los proyectos de Lucidpress ahí, y también podremos trabajar en equipo y compartir los proyectos.
Tendremos que conectarlos dando a la aplicación los permisos necesarios. En la configuración podremos indicar si queremos sincronizar de forma automática nuestra cuenta de Lucidpress con Google Drive, así podremos localizar nuestros proyectos a través de este último.
Si no queremos la sincronización automática de todos los proyectos, también tenemos la opción de hacer un backup guardándolos en Google Drive, siempre que queramos.
Si no queremos la sincronización automática de todos los proyectos, también tenemos la opción de hacer un backup guardándolos en Google Drive, siempre que queramos.
Podremos elegir entre diferentes plantillas, en función del tipo de publicación que queramos crear. Antes de nada tendremos que decidir si el proyecto se va a imprimir o lo utilizaremos para visualizarlo digitalmente. Después seleccionaremos la categoría de plantilla que nos interese: documento en blanco, básicos, flyers, interactivas, comunicación interna, invitaciones a eventos, newsletters, libros de fotos o de vídeos, presentaciones, posters, folletos, revistas, suplementos. También podremos guardar nuestras propias plantillas.
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En nuestro caso como nuestro objetivo es crear un periódico o revista digital para incluir nuestra labor como periodistas en el I Congreso de Enfrentamientos de Oro, seleccionaremos la opción Newsletters/magazines.
Recomendamos utilizar alguna de las plantillas prediseñadas, en lugar de partir de una plantilla en blanco.
Recomendamos utilizar alguna de las plantillas prediseñadas, en lugar de partir de una plantilla en blanco.
Una vez seleccionada la plantilla hay que ponerle un nombre al proyecto. ¡Y a editar!, haciendo clic en cualquiera de los elementos de las páginas, podemos modificarlos, también podemos añadir nuevos elementos y páginas nuevas. Los cambios que realicemos se irán guardando automáticamente.
INDICACIONES DE USO DE LA HERRAMIENTA
La herramienta es bastante intuitiva en su uso, pero vamos a ver las distintas opciones que aparecen en la interfaz.
Primero la barra de menú, situada en la parte superior, bajo el título que hayamos puesto al proyecto.
En ella podemos encontrar todas las funciones del programa:
- Icono de inicio de Lucidpress;
- File: funciones del archivo. Crear nuevo documento, guardar, descargar como pdf, png o jpeg, imprimir, exportar a Google Drive o publicar (genera enlace público al documento)/despublicar;
- Edit: funciones básicas de edición;
- View: funciones básicas de vista del proyecto;
- Page: funciones básicas de la página y la plantilla;
- Arrange: organizar los elementos que contiene el proyecto;
- Insert: podemos insertar elementos tales como caja de texto, imagen, galería de imágenes, vídeo, área de desplazamiento, capa, comentario;
- Format: funciones básicas de formato;
- Share: desde esta opción podemos invitar a colaboradores, publicar, obtener el código para embeber, o compartir el proyecto en las redes sociales;
- Window: funciones de las ventanas;
- Help: menú de ayuda.
También en la parte superior, justo debajo de la barra de menú, encontraremos una barra de propiedades de los textos, líneas y objetos.
En el lateral izquierdo, junto a las páginas en miniatura, encontramos una barra de contenido con iconos que nos permite añadir elementos al proyecto, ya sean propios de la aplicación, como cajas de texto o formas, o elementos externos, como imágenes (desde el equipo, o desde nuestras cuentas de Flickr, Facebook, Dropbox, o desde los buscadores Google Images o Icon Finder).
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En la parte inferior tenemos la posibilidad de utilizar el chat con el resto de personas que editen el proyecto. También podemos cambiar el tamaño de la vista con el zoom y añadir comentarios a al proyecto. Encontramos además cuatro pequeños iconos que activan distintos modos de trabajo en el proyecto:
- Modo de diseño (en el que se edita el proyecto);
- Modo de interacción (para añadir funciones interactivas a elementos del proyecto una vez terminado, como por ejemplo enlaces externos)
- Modo de comentarios (añadir comentarios a elementos específicos del proyecto)
- Modo de vista previa (para ver cómo va quedando el diseño)
Una vez finalizado el proyecto, podemos guardarlo, imprimirlo, publicarlo, compartirlo, embeberlo, descargarlo en pdf, png o jpeg, o exportarlo a Google Drive. El propio Lucidpress nos permite guardarlo de forma organizada dentro de carpetas.
Información vía: www.enlanubetic.com.es
Incluimos un video-tutorial (está en inglés) pero como ya indicamos la herramienta es muy intuitiva y se entienden perfectamente los pasos a seguir para su uso y ¡disfrute!.
Recursos para elaborar nuestra revista digital
LA PRENSA ESCRITA
El más antiguo y todavía muy importante medio de comunicación de masas es la prensa escrita, que ahora nos llega, además de en el tradicional papel impreso, en formato digital a través de Internet.
Forman parte de ella toda una serie de publicaciones periódicas (es decir, que aparecen cada cierto tiempo) en las que se informa, se opina y se entretiene a los lectores, que se clasifican de acuerdo con dos grandes criterios:
Una de las publicaciones periódicas más importantes y comunes son los periódicos diarios de información general, que pueden tener ámbito nacional (El País, El Mundo, ABC, La Razón) o autonómico o territorial (El Heraldo de Aragón, El Periódico de Aragón). Todos tienen su versión digital en Internet, e incluso hay ya muchos que no cuentan con edición en papel (eldiario.es, público.es....).
Además suelen utilizar las redes sociales (sobre todo Twitter y Faebook) para llegar a potenciales lectores.
Estas publicaciones, tanto en versión impresa como digital, se dividen en secciones que facilitan su consulta:
Forman parte de ella toda una serie de publicaciones periódicas (es decir, que aparecen cada cierto tiempo) en las que se informa, se opina y se entretiene a los lectores, que se clasifican de acuerdo con dos grandes criterios:
- Por su periodicidad:
- diaria: aparece todos los días (son lo que comúnmente llamamos "periódicos")
- revistas: pueden ser semanales, quincenales, mensuales, trimestrales...
- Por su temática o ámbito:
- de información general
- especializada: se centran en un tema o ámbito: deportes, salud, moda, rosa, ciencia, teconologia, coches, etc.
Una de las publicaciones periódicas más importantes y comunes son los periódicos diarios de información general, que pueden tener ámbito nacional (El País, El Mundo, ABC, La Razón) o autonómico o territorial (El Heraldo de Aragón, El Periódico de Aragón). Todos tienen su versión digital en Internet, e incluso hay ya muchos que no cuentan con edición en papel (eldiario.es, público.es....).
Además suelen utilizar las redes sociales (sobre todo Twitter y Faebook) para llegar a potenciales lectores.
Estas publicaciones, tanto en versión impresa como digital, se dividen en secciones que facilitan su consulta:
- Portada o primera página.- aparecen las noticias más destacadas, acompañadas muchas veces de imágenes.
- Nacional
- Internacional
- Sociedad
- Opinión
- Televisión
- Cultura
- Economía
- Deportes
- ....
LOS GÉNEROS PERIODÍSTICOS
En estas secciones aparecen textos pertenecientes a los distintos géneros periodísticos que podemos clasificar en tres grandes tipos, según su finalidad:
1.- Géneros informativos: pretenden informar objetivamente, sin dar opiniones o puntos de vista personales.
2- Géneros de opinión: son textos subjetivos, en los que un periodista o persona de interés expone y argumenta su opinión, valoración o punto de vista personal sobre un tema o un acontecimiento. Hay varios tipos:
1.- Géneros informativos: pretenden informar objetivamente, sin dar opiniones o puntos de vista personales.
- Noticia: textos objetivos y de extensión variable sobre acontecimientos novedosos de los que se da la información básica que responde a las famosas cuestiones ¿qué? ¿quíen? ¿dónde? ¿cuándo? ¿cómo? ¿por qué / para qué?.
Pueden incluir declaraciones de los implicados en estilo directo o indirecto. Dentro de las noticias se pueden distinguir varias partes:- Titular: sintagma u oración que informa de lo esencial de la noticia
- Entrada: primer párrafo que generalmente resume el resto de la noticia . Suele ir en negrita y no siempre aparece.
- Cuerpo: desarrollo pormenorizado de la noticia.
- Reportaje: texto más amplio que la noticia, que no tiene que referirse a la última actualidad, y que profundiza en alguna noticia o tema más amplio, por lo que requiere cierta labor de investigación o documentación.
Puede incluir entrevistas y opiniones de implicados o expertos.
2- Géneros de opinión: son textos subjetivos, en los que un periodista o persona de interés expone y argumenta su opinión, valoración o punto de vista personal sobre un tema o un acontecimiento. Hay varios tipos:
- Editorial: artículo que aparece sin firma y recoge la opinión común de toda la redacción de un periódico. Suele tratar el asunto más importante del día. (por ejemplo,) este editorial de El País tras el suicidio de una chica en Madrid por acoso escolar)
- Artículo de opinión: escrito por alguien relevante de un determinado ámbito exponiendo su opinion sobre un tema o asunto de su incumbencia (economía, sociedad, política, arte, educación, ciencia, tecnología..) (Por ejemplo, este artículo de un orientador sobre el acoso escolar)
- Columna: espacio fijo del periódico reservado para que un periodista, escritor o personalidad publique de forma periódica sus opiniones sobre diferentes temas. El espacio suele tener un nombre y las columnas utilizan una lengua muy próxima a la literaria (por ejemplo, Javier Sardá tiene una columna titulada "Al contraataque"; aquí os dejo su columna "Diego y los mierdas",en la que opina sobre el acoso escolar)
- Cartas al director: textos escritos por los lectores del periódico escribiendo su opinión sobre cualquier tema (comentarios, sugerencias, peticiones, protestas....) (Por ejemplo, en esta carta una lectora opina sobre acoso escolar)
- Críticas: un especialista opina, comenta, valora y juzga un acontecimiento o actividad cultural, de entretenimiento o deportiva. Hay crítica cinematográfica, literaria, televisiva, taurina, musical, etc....) Por ejemplo, aquí tenéis una crítica a la película "La novia" de Paula Ortiz, basada en una obra de Lorca y rodada en Mediana de Aragón.
- Viñetas: tipo especial de texto periodístico que combina imagen dibujada y texto. No tiene por qué ser humorística (aunque a veces lo es) y suele criticar algún aspecto de la actualidad. Por ejemplo, en esta viñeta, Forges opina sobre lo que nuestro sistema hace con los jóvenes: Se puede estar de acuerdo... o no...
3.- Géneros mixtos: combinan información y opinión.
- Entrevista: texto dialogado en el que generalmente un periodista hace una serie de preguntas a un personaje famoso o relevante cuyas respuestas se transcriben. Puede estar contextualizada e incluir narración y/o descripción de las circunstancias en que tuvo lugar. Por ejemplo, en esta se entrevista a la subdirectora de un teléfono de ayuda en caso de acoso escolar.
- Crónica: relato por extenso de un acontecimiento en que además el periodista valora o comenta de forma subjetiva aquello que narra. Aquí podéis leer, por ejemplo, la crónica de un concierto de Extremoduro.
TEXTO TOMADO DE: Teresa Losada teresadientedeleon.blogspot.com.es
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CURACIÓN DE CONTENIDOS
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EL SIGLO DE ORO EN SU CONTEXTO
La denominación de Siglos de Oro (de la literatura española) abarca el período que se extiende desde principios del siglo XVI hasta finales del siglo XVII.
El siglo XVI se asocia con el Renacimiento. El siglo XVII corresponde al Barroco.
El siglo XVI se asocia con el Renacimiento. El siglo XVII corresponde al Barroco.
Imagen vía: El almacén
EL RENACIMIENTO
El hombre medieval coloca a Dios en el centro del universo considerando la tierra como un mero tránsito hacia el más allá. La carne es el gran enemigo del alma y hay que luchar contra él.
El hombre renacentista trastocará estos valores, coloca al hombre en el centro de la tierra, que es digna de vivir por sí misma, es valorada como lugar de disfrute y goce, empieza a valorar la realidad humana, sus cualidades y virtudes y dentro de éstas la razón sobre todo.
No estará supeditada la inteligencia a la revelación, como en la época medieval, sino que la razón humana empieza a ser valorada como motivo de dignidad, por ello será una época de grandes descubrimientos.
El hombre aprovecha sus posibilidades y se lanza a conocer mediante su propio esfuerzo, y cada vez será más importante la razón frente a la fe, así se da un proceso paulatino de secularización.
El hombre renacentista trastocará estos valores, coloca al hombre en el centro de la tierra, que es digna de vivir por sí misma, es valorada como lugar de disfrute y goce, empieza a valorar la realidad humana, sus cualidades y virtudes y dentro de éstas la razón sobre todo.
No estará supeditada la inteligencia a la revelación, como en la época medieval, sino que la razón humana empieza a ser valorada como motivo de dignidad, por ello será una época de grandes descubrimientos.
El hombre aprovecha sus posibilidades y se lanza a conocer mediante su propio esfuerzo, y cada vez será más importante la razón frente a la fe, así se da un proceso paulatino de secularización.
- Esto traerá una corriente innegable de EPICUREÍSMO, de vitalismo total, ya que se descubre que la vida es una fuente de placer pero al mismo tiempo es temporal y finita, así se da un afán de vivir lo mejor posible durante un tiempo mínimo.
- También junto con estas tendencias epicureístas nace un sentimiento religioso, sincero, profundo y comprometido que se manifiesta en la MÍSTICA.
El Renacimiento: época de cambios
En la segunda mitad del siglo XV se habían producido dos hechos decisivos para la historia de la humanidad: Gutenberg inventa la imprenta y Cristóbal Colón descubre América. Las ideas se van a difundir más rápido y la concepción del mundo va a cambiar.
Si a ello le añadimos que en el siglo XVI se produjeron grandes avances en la cartografía y navegación e importantes progresos en la astronomía y en el estudio del cuerpo humano, comprendemos que nos encontremos en una época de cambios que va a favorecer una visión distinta de la realidad.
El humanismo
El principal vehículo del Renacimiento fue el humanismo: una corriente de pensamiento que daba la espalda a la Edad Media y que volvía sus ojos a la antigüedad clásica grecolatina. Las obras griegas y latinas se convierten para los humanistas en la base de todo conocimiento, y se dedicaron a estudiarlas a fondo.
- Ello trae consigo una concepción antropocéntrica del mundo: el ser humano se considera el centro del universo, ha de dedicarse a cultivar su inteligencia y conocimientos, así como su cuerpo.
- La vida adquiere, por lo tanto, un valor distinto: ya no se considera simplemente como una transición hacia la eterna, sino como una oportunidad de gozar los placeres terrenales, la belleza de la naturaleza y la juventud.
- - Vitalismo: el amor a la vida, que se considera una oportunidad para ser felices y hacer grandes cosas.
- - Idealismo: el hombre del Renacimiento cree y persigue grandes ideales: el amor perfecto, la justicia, la sociedad ideal, la Belleza. En las obras de arte la realidad suele aparecer idealizada (sin defectos, las cosas no como son sino como deberían ser)
- - Optimismo: la. vida, el propio hombre y la naturaleza están llenos de posibilidades para ser felices y lograr grandes cosas
- - Separación entre fe y razón: se separa el conocimiento científico de la revelación religiosa (gracias a lo cual, la religión deja de ser un freno para el desarrollo científico) y se separa la literatura profana de la religiosa. Además cambia la religiosidad, más personal que en la Edad Media, y se busca el acercamiento a Dios en esta vida, sin tener que esperar a la salvación tras la muerte.
- - Racionalismo: se valora la razón y el conocimiento como un medio de conocer el mundo y transformarlo para vivir mejor y más felices. El saber es fuente de felicidad y bienestar, por ello se valora mucho el conocimiento y la educación. Además, los sentimientos nunca se desbordan, aparecen siempre controlados, analizados y contenidos por la razón.
- Aparecen nuevas ideas filosóficas:
- algunas tomadas de la filosofía grecorromana:
- - neoplatonismo: la belleza del mundo es reflejo de la belleza divina, o sea, conocer la belleza del mundo es una forma de conocer a Dios.--- epicureismo: valoración del placer como fuente de bienestar y felicidad.
- - escepticismo; espíritu crítico, necesidad de razonar el conocimiento.
- - estoicismo: resignación y ánimo fuerte frente a las adversidades.
- otras, como el erasmismo (surgida a partir del pensamiento de Erasmo de Rotterdam) y el luteranismo son críticas con la religiosidad medieval y el papel de la Iglesia, estando en la base de la Reforma Protestante.
-
- Texto tomado de: Diente de León
LA SOCIEDAD ESPAÑOLA EN LOS SIGLOS DE ORO
Un nuevo orden social
La burguesía
En la Edad Media la sociedad medieval se había caracterizado por el inmovilismo y una fuerte jerarquización.
La nobleza y el clero se beneficiaron de una gran parte de las cosechas que los campesinos recolectaban en las tierras de sus señores.
Sin embargo, y paulatinamente, otro tipo de relación va desarrollándose frente a la feudal: el dinero empieza a circular en las ciudades, mercados, a través de los bancos, y una nueva clase social -la burguesía- va cobrando mayor importancia y pone en juego otro orden social.
Como los nobles no pagaban impuestos, los burgueses intentan adquirir legal o ilegalmente el título de hidalgo (el más bajo dentro de la jerarquía nobiliaria) y adopta los valores aristocráticos, entre ellos, despreciar los trabajos artesanales. De ahí que el desarrollo productivo y mercantil en España no fuera dinámico como en otros países de Europa, de ahí que en las ciudades españolas hubiera más mendigos y vagabundos por la falta de trabajo.
Es curioso y significativo en la sociedad española de los siglos XVI y XVII encontrarnos con hidalgos pobres que buscan a toda costa aparentar que no pasan penurias económicas, y con burgueses ricos que buscan a toda costa convertirse en hidalgos.
La expulsión de los judíos y de los moros
La expulsión en 1492 de los judíos y de los moros rompe definitivamente la convivencia de las tres culturas que se había dado durante la Edad Media en la Península y afecta considerablemente a la economía, principalmente porque buena parte de las actividades económicas habían estado en manos de los judíos.
Aquellos que se hicieron conversos o cristianos nuevos, por evitar la expulsión, si bien participaron en el crecimiento económico, sufrieron el acoso de la Inquisición o el menosprecio de los cristianos viejos. De hecho, los moriscos quedaron relegados al último escalón social.
La Reforma y la Contrarreforma
También en el terreno religioso se busca una comunicación distinta con Dios: más directa, auténtica y sincera, lejos de los lujos y de las ceremonias. Se originan así distintos intentos de reformas, como las de Erasmo de Rotterdam, (alvino o Lutero. Fueron tales las diferencias con la Iglesia de Roma, que se originaron las guerras de religión y se produjo la escisión de los cristianos en católicos y protestantes.
Tras el Concilio de Trento, la Iglesia católica reacciona creando la Santa Inquisición, órgano censor que controla y castiga cualquier intento de herejía, es decir, de critica o desobediencia a los preceptos papales. Es lo que se denominó la contrarreforma.
La burguesía
En la Edad Media la sociedad medieval se había caracterizado por el inmovilismo y una fuerte jerarquización.
La nobleza y el clero se beneficiaron de una gran parte de las cosechas que los campesinos recolectaban en las tierras de sus señores.
Sin embargo, y paulatinamente, otro tipo de relación va desarrollándose frente a la feudal: el dinero empieza a circular en las ciudades, mercados, a través de los bancos, y una nueva clase social -la burguesía- va cobrando mayor importancia y pone en juego otro orden social.
Como los nobles no pagaban impuestos, los burgueses intentan adquirir legal o ilegalmente el título de hidalgo (el más bajo dentro de la jerarquía nobiliaria) y adopta los valores aristocráticos, entre ellos, despreciar los trabajos artesanales. De ahí que el desarrollo productivo y mercantil en España no fuera dinámico como en otros países de Europa, de ahí que en las ciudades españolas hubiera más mendigos y vagabundos por la falta de trabajo.
Es curioso y significativo en la sociedad española de los siglos XVI y XVII encontrarnos con hidalgos pobres que buscan a toda costa aparentar que no pasan penurias económicas, y con burgueses ricos que buscan a toda costa convertirse en hidalgos.
La expulsión de los judíos y de los moros
La expulsión en 1492 de los judíos y de los moros rompe definitivamente la convivencia de las tres culturas que se había dado durante la Edad Media en la Península y afecta considerablemente a la economía, principalmente porque buena parte de las actividades económicas habían estado en manos de los judíos.
Aquellos que se hicieron conversos o cristianos nuevos, por evitar la expulsión, si bien participaron en el crecimiento económico, sufrieron el acoso de la Inquisición o el menosprecio de los cristianos viejos. De hecho, los moriscos quedaron relegados al último escalón social.
La Reforma y la Contrarreforma
También en el terreno religioso se busca una comunicación distinta con Dios: más directa, auténtica y sincera, lejos de los lujos y de las ceremonias. Se originan así distintos intentos de reformas, como las de Erasmo de Rotterdam, (alvino o Lutero. Fueron tales las diferencias con la Iglesia de Roma, que se originaron las guerras de religión y se produjo la escisión de los cristianos en católicos y protestantes.
Tras el Concilio de Trento, la Iglesia católica reacciona creando la Santa Inquisición, órgano censor que controla y castiga cualquier intento de herejía, es decir, de critica o desobediencia a los preceptos papales. Es lo que se denominó la contrarreforma.
España, hasta finales del S.XV, estuvo volcado en las campañas militares de la Reconquista y tardó en incorporarse plenamente a las nuevas corrientes literarias procedentes de Italia.
El Renacimiento que supuso una auténtica revolución a nivel político, social, artístico y cultural para toda Europa y para el cristianismo, triunfa durante el reinado de Carlos V (1517-1556), caracterizado por la universalidad y extroversión, de manera que hasta la doctrina católica se abre parcialmente a las nuevas ideas del pensamiento erasmista. Así, durante la primera mitad del siglo ("el primer Renacimiento"), el HUMANISMO europeo, el RENACIMIENTO italiano y el ERASMISMO serán las corrientes extranjeras de mayor influencia en España.
En la segunda mitad de siglo ("el segundo Renacimiento), hacia 1560 y ya durante el reinado de Felipe II, España "se cierra" a Europa, se rompen estas influencias europeas y tanto la política como la iglesia aúnan sus fuerzas par salvaguardar los principios del cristianismo, en contra del avance de Lutero, para no verse contaminada por las formas heterodoxas protestantes. Esto determinará el fuerte carácter nacional que adquiere la cultura española en esta segunda mitad del S.XVI, que se orientará hacia la preocupación religiosa impulsada por la Contrarreforma surgida tras el Concilio de Trento.
La producción literaria se ve restringida por medidas severas, prohibición de estudiar en universidades europeas a los jóvenes españoles, la ley de censura es rehabilitada y ampliada en 1558 de forma que para publicar un libro era necesaria la aprobación del censor y la importación de libros extranjeros sin licencia real, se llegó a castigar con pena de muerte. En 1583 y 1584, la INQUISICIÓN, publicó dos exhaustivos "ÍNDICES EXPURGATORIOS" con aquellas obras de connotación erasmista que o bien se publicaban mutiladas o bien se prohibieron totalmente.
Es uno de los periodos más complejos y contradictorios de la historia de España. Por una parte, con Felipe II la monarquía alcanza su máxima expansión territorial. Por otra, el gran esfuerzo económico que implica el mantenimiento de este vasto imperio y la lucha por la hegemonía de Europa acabarán llevando al estado a la ruina y lo sumirán en una decadencia política, ya bien perceptible durante el reinado de Felipe III. No menos paradógico resulta que esta época, que desde el punto de vista socioeconómico se caracterizó por la enorme pobreza de la población, sea LA MÁS BRILLANTE en el terreno literario y artístico, son LA EDAD DE ORO DE LA CULTURA ESPAÑOLA.
El Renacimiento que supuso una auténtica revolución a nivel político, social, artístico y cultural para toda Europa y para el cristianismo, triunfa durante el reinado de Carlos V (1517-1556), caracterizado por la universalidad y extroversión, de manera que hasta la doctrina católica se abre parcialmente a las nuevas ideas del pensamiento erasmista. Así, durante la primera mitad del siglo ("el primer Renacimiento"), el HUMANISMO europeo, el RENACIMIENTO italiano y el ERASMISMO serán las corrientes extranjeras de mayor influencia en España.
En la segunda mitad de siglo ("el segundo Renacimiento), hacia 1560 y ya durante el reinado de Felipe II, España "se cierra" a Europa, se rompen estas influencias europeas y tanto la política como la iglesia aúnan sus fuerzas par salvaguardar los principios del cristianismo, en contra del avance de Lutero, para no verse contaminada por las formas heterodoxas protestantes. Esto determinará el fuerte carácter nacional que adquiere la cultura española en esta segunda mitad del S.XVI, que se orientará hacia la preocupación religiosa impulsada por la Contrarreforma surgida tras el Concilio de Trento.
La producción literaria se ve restringida por medidas severas, prohibición de estudiar en universidades europeas a los jóvenes españoles, la ley de censura es rehabilitada y ampliada en 1558 de forma que para publicar un libro era necesaria la aprobación del censor y la importación de libros extranjeros sin licencia real, se llegó a castigar con pena de muerte. En 1583 y 1584, la INQUISICIÓN, publicó dos exhaustivos "ÍNDICES EXPURGATORIOS" con aquellas obras de connotación erasmista que o bien se publicaban mutiladas o bien se prohibieron totalmente.
Es uno de los periodos más complejos y contradictorios de la historia de España. Por una parte, con Felipe II la monarquía alcanza su máxima expansión territorial. Por otra, el gran esfuerzo económico que implica el mantenimiento de este vasto imperio y la lucha por la hegemonía de Europa acabarán llevando al estado a la ruina y lo sumirán en una decadencia política, ya bien perceptible durante el reinado de Felipe III. No menos paradógico resulta que esta época, que desde el punto de vista socioeconómico se caracterizó por la enorme pobreza de la población, sea LA MÁS BRILLANTE en el terreno literario y artístico, son LA EDAD DE ORO DE LA CULTURA ESPAÑOLA.
Carlos I de España y V de Alemania
Rey de España y emperador de Alemania; con él quedaría implantada en España la Casa de Habsburgo. Hijo de Juana la Loca y de Felipe el Hermoso de Castilla, fue educado en los Países Bajos por Adriano de Utrecht (el futuro papa Adriano VI) y Guillermo de Croy, recibiendo la influencia de los humanistas del Renacimiento, como Erasmo de Rotterdam. Nieto de los Reyes Católicos, criado en la patria paterna (Alemania) que llegó a España en 1525 para ser coronado y tuvo que enfrentarse a las revueltas de Comuneros y Germanías. En él confluía una extensa herencia por vía materna (Castilla, Aragón, Canarias, el continente de América por conquistar, Sicilia, Cerdeña). Proyectaba ser coronado Emperador, pero su proyecto imperial europeo fracasó y abdicó en 1555. Su reinando marca la 1ª mitad de Siglo. |
Felipe II:
Hijo de Carlos I, regentaba un enorme imperio, sobre todo por los territorios extraeuropeos (tuvo que renunciar a la herencia alemana por ser territorio protestante). Época de guerras religiosas (contra los turcos en el Mediterráneo, contra Inglaterra con el desastre de la Armada Invencible). Comienzan los primeros síntomas de decadencia del imperio (pobreza , miseria, etc.), en parte debidos a la debilidad económica de España, que nunca llegó a desarrollar una industria y un comercio sólidos (entre otras cosas, por el predominio aplastante de los nobles y el prestigio de su estatus para la “honra”, que llegó a ser una verdadera obsesión nacional y que requería, entre otras cosas, no trabajar). El Imperio se mantenía mediante el oro y la plata venidos de América, lo que hizo que la inflación se disparase y el país tuviese que empezar a endeudarse para sostenerse. |
"Carlos V, heredero de los Césares en el Sacro Imperio por elección comprada, sólo había pasado en España dieciséis de los cuarenta años de su reinado. Aquel monarca de mentón prominente y mirada de idiota, que había ascendido al trono sin conocer una sola palabra del idioma castellano, gobernaba rodeado por un séquito de flamencos rapaces a los que extendía salvoconductos para sacar de España mulas y caballos cargados de oro y joyas y a los que también recompensaba otorgándoles obispados y arzobispados, títulos burocráticos y hasta la primera licencia para conducir esclavos negros a las colonias americanas. Lanzado a la persecución del demonio por toda Europa, Carlos V extenuaba el tesoro de América en sus guerras religiosas. La dinastía de los Habsburgo no se agotó con su muerte; España habría de padecer el reinado de los Austria durante casi dos siglos. El gran adalid de la Contrarreforma fue su hijo Felipe II. Desde su gigantesco palacio-monasterio de El Escorial, en las faldas del Guadarrama, Felipe II puso en funcionamiento, a escala universal, la terrible maquinaria de la Inquisición (...)"
Las venas abiertas de América Latina. Eduardo Galeano
Horacio y Virgilio, poetas muy influyentes.
La recuperación e imitación de los clásicos grecolatinos está en la base de la revolución renacentista, porque con la imitación de sus géneros, sus tópicos, su estilo, se recuperaron también sus ideales y su mentalidad, que en la Edad Media tenía que pasar por el filtro implacable de la iglesia que muchas veces se convertía en un muro.
Aparte de su “espíritu” y su concepción artística, su influencia se nota en aspectos muy concretos.
De Horacio, por ejemplo, se toma el género de la sátira (con el sentido de poesía moral), las odas o las epístolas, y tópicos como el “collige virgo rosas” o el “beatus ille”; de Virgilio, el género bucólico-pastoril de las églogas.
Dante (poeta del Renacimiento italiano) lo eligió como guía alegórico en su “Divina Comedia”.
Francesco Petrarca
Poeta del quatrecento italiano que dio lugar a toda una corriente poética en Europa, el petrarquismo, que supuso una revolución con respecto a la poesía culta medieval (la lírica de cancionero).
La poesía amorosa de nuestros poetas del Renacimiento, especialmente Garcilaso, parte de la imitación de su obra, especialmente el Canzoniere, dedicado a su amada Laura, y dividido en dos grandes partes:, Rime in vita y Rime in morte, es decir, poemas dedicados a ella en vida y tras su muerte.
Se trata siempre de un amor no correspondido, a partir del cual el poeta realiza una introspección en la que son muy importantes el recuerdo, la naturaleza y la belleza idealizada de la amada.
La recuperación e imitación de los clásicos grecolatinos está en la base de la revolución renacentista, porque con la imitación de sus géneros, sus tópicos, su estilo, se recuperaron también sus ideales y su mentalidad, que en la Edad Media tenía que pasar por el filtro implacable de la iglesia que muchas veces se convertía en un muro.
Aparte de su “espíritu” y su concepción artística, su influencia se nota en aspectos muy concretos.
De Horacio, por ejemplo, se toma el género de la sátira (con el sentido de poesía moral), las odas o las epístolas, y tópicos como el “collige virgo rosas” o el “beatus ille”; de Virgilio, el género bucólico-pastoril de las églogas.
Dante (poeta del Renacimiento italiano) lo eligió como guía alegórico en su “Divina Comedia”.
Francesco Petrarca
Poeta del quatrecento italiano que dio lugar a toda una corriente poética en Europa, el petrarquismo, que supuso una revolución con respecto a la poesía culta medieval (la lírica de cancionero).
La poesía amorosa de nuestros poetas del Renacimiento, especialmente Garcilaso, parte de la imitación de su obra, especialmente el Canzoniere, dedicado a su amada Laura, y dividido en dos grandes partes:, Rime in vita y Rime in morte, es decir, poemas dedicados a ella en vida y tras su muerte.
Se trata siempre de un amor no correspondido, a partir del cual el poeta realiza una introspección en la que son muy importantes el recuerdo, la naturaleza y la belleza idealizada de la amada.
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo es la personificación del ideal del hombre renacentista.
Es arquitecto, inventor de aparatos y máquinas de guerra, un perfecto dibujante, un infatigable naturalista, un ingeniero con gran inventiva y un pintor genial. Seguramente el autor del cuadro más conocido del mundo, La mona Lisa. Una de sus ocupaciones permanentes fue el estudio de todo lo relacionado con el vuelo. Diseñó o construyó aparatos para volar, paracaídas, un laminador, el sistema de la llave inglesa, un mortero, una ametralladora, un submarino, un cañón a vapor... Fue uno de los talentos más universales que ha habido jamás. |
Imagen vía: PInterest
El hombre de Vitruvio: estudio de las proporciones del cuerpo humano realizado por Leonardo da Vinci a partir de los estudios de Vitruvio, arquitecto romano. Muestra de la nueva mentalidad que triunfa: el antropocentrismo, que sitúa al hombre como el “centro y medida de todas las cosas”.
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Imagen vía: Wikipedia
La Gioconda o Mona Lisa.
Quizás la obra de arte más conocida de la historia Cuadro realizado por Da Vinci, representativo del arte renacentista (armonía de colores, serenidad, contención,…) y lleno de enigmas (modelo, sonrisa). Podéis consultar curiosidades sobre la obra aquí; recreaciones diversas inspiradas en este cuadro aquí; una audioguía didáctica (para descargar) aquí y un fragmento del programa "Asuntos propios" (donde Javier Sierra expone una peculiar teoría sobre el enigma de este cuadro: que en realidad, según el, sería un autorretrato de Da Vinci) aquí |
Miguel Ángel Buonarotti
El comienzo de la carrera de Miguel Ángel fue teatral: aprendiz en un taller, se encontraba esculpiendo un fauno, cuando pasó por allí Lorenzo Médici y, a modo de crítica, le preguntó cómo era posible que un fauno tan viejo tuviera una dentadura tan completa.
Miguel Ángel, de un solo golpe de martillo, rompió uno de los dientes de la mandíbula superior del fauno. Entusiasmado por esta combinación de temperamento y habilidad. Lorenzo se lo llevó a su casa. Después viajó a Padua y a Roma, donde esculpe en mármol su Piedad, que representa el dolor de María que tiene a sus brazos a Cristo yaciente. Tras su regreso a Florencia, lucha durante dos años con un bloque de mármol para extraer de él el David. |
En Roma, el Papa Julio II le encarga pintar la Capilla Sixtina.
Allí apoyando su espalda en el andamio, decora el techo de la capillas con las famosas escenas del Antiguo Testamento: la Creación (Dios Padre extiende su mano derecha y toca el dedo lánguido de Adán y así lo crea), el Pecado original, Noé en estado de embriaguez...
Trabajó cuatro años en le techo de la Capilla Sixtina, durante los cuales discutió continuamente con el Papa, que quería ver las pinturas y apremiaba a apartar el andamio, Miguel Ángel se negó a hacerlo y el Papa le amenazó con tirarlo.
Cuando vio los frescos, creyó que ya se podía morir tranquilo: estaba contemplando la mayor obra de arte que jamás se había creado.
Allí apoyando su espalda en el andamio, decora el techo de la capillas con las famosas escenas del Antiguo Testamento: la Creación (Dios Padre extiende su mano derecha y toca el dedo lánguido de Adán y así lo crea), el Pecado original, Noé en estado de embriaguez...
Trabajó cuatro años en le techo de la Capilla Sixtina, durante los cuales discutió continuamente con el Papa, que quería ver las pinturas y apremiaba a apartar el andamio, Miguel Ángel se negó a hacerlo y el Papa le amenazó con tirarlo.
Cuando vio los frescos, creyó que ya se podía morir tranquilo: estaba contemplando la mayor obra de arte que jamás se había creado.
La creación de Adán:
Detalle de la Capilla: Dios y el hombre se acercan. Cambio de religiosidad, en la que cobra más importancia el hombre, y en que se busca a Dios en esta vida y en este mundo. (Frente al teocentrismo y el ascetismo medievales). Imagen vía: Wikipedia |
Botticelli
Nacimiento de Venus.
Pintura que hoy podemos visitar en la Galería de los Uffizi, en Florencia.
Obra representativa del renacimiento por muchos factores: la importancia de la mitología, la exaltación de belleza, la serenidad, el optimismo, la aparición del desnudo femenino.
Pintura que hoy podemos visitar en la Galería de los Uffizi, en Florencia.
Obra representativa del renacimiento por muchos factores: la importancia de la mitología, la exaltación de belleza, la serenidad, el optimismo, la aparición del desnudo femenino.
Imagen vía: Wikipedia
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Detalle del cuadro en el que se percibe perfectamente el ideal o canon de belleza renacentista: piel y ojos claros, mejillas y labios rojos, cabellos claros, cuello estilizado, serenidad, armonía, proporción….
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Es el mismo canon que encontramos en la descripción de las damas (siempre idealizadas, como casi todo en le arte renacentista) en literatura, tanto en poemas amorosos, como en obras narrativas (novelas pastoriles o bizantinas).
Rafael
Imagen vía: Wikipedia
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Dama con unicornio
Del pintor renacentista italiano Rafael. Obra también representativa de la concepción artística propia del renacimiento: idealización, estatismo, importancia de la mitología (por la presencia del Unicornio), armonía, serenidad, proporción, y una dama ideal. No solo por su belleza física (que responde al canon o ideal de belleza de la época), sino también por su perfección moral (de ahí su mirada limpia y directa, y el Unicornio, símbolo de castidad) |
EL BARROCO
Paulatinamente el afán de conocer, el poder de la razón hará que este universo perfecto se desmorone y se experimentará la crisis que afectará a todos los principios de la vida y de la cultura.
Esta crisis del renacimiento se asienta en el manierismo. Mediante esta corriente cultural e ideológica se posibilitara el paso del Renacimiento al Barroco, ya que romperá los principios sobre los que se sustentaba el renacimiento y creará las bases sobre las que se sostiene el barroco.
Para el manierismo los principios sobre los que se sustentaba el renacimiento son esencialmente falsos, porque la realidad no es eso, la armonía carece de interés, es un concepto vacío que no tiene vinculación con la realidad, y el querer someter la complejidad de la vida a unos cánones fijos, a unas reglas, es una traición a la realidad.
Así instauran el principio de la validez particular de las cosas, cada objeto es independiente, se vale y se justifica por sí mismo, no por su relación con los demás.
Esta crisis del renacimiento se asienta en el manierismo. Mediante esta corriente cultural e ideológica se posibilitara el paso del Renacimiento al Barroco, ya que romperá los principios sobre los que se sustentaba el renacimiento y creará las bases sobre las que se sostiene el barroco.
Para el manierismo los principios sobre los que se sustentaba el renacimiento son esencialmente falsos, porque la realidad no es eso, la armonía carece de interés, es un concepto vacío que no tiene vinculación con la realidad, y el querer someter la complejidad de la vida a unos cánones fijos, a unas reglas, es una traición a la realidad.
Así instauran el principio de la validez particular de las cosas, cada objeto es independiente, se vale y se justifica por sí mismo, no por su relación con los demás.
Tras el esplendor que conoció España en el XVI, el Siglo XVII está marcado por la decadencia y la crisis.
Es el período de los Austrias menores (Felipe III, Felipe IV y Carlos II), que en un momento muy delicado y por diferentes razones delegaron su inmenso poder en manos de "validos" como el Duque de Lerma o el Conde-Duque de Olivares. Estos muchas veces ejercieron ese poder en su propio interés y beneficio, sin solucionar los graves problemas a los que se enfrentaba España: guerras continuas, sublevaciones interiores y exteriores, crisis agrícola y demográfica.
La población decrece de forma alarmante, los campos se cultivan cada vez menos, lo que acrecienta el hambre y la pobreza del pueblo. La mayoría de la población se hacina en las ciudades, donde predomina la miseria, la enfermedad y la amenaza constante de la muerte, mientras la corte continúa con su lujo y derroche. Lo elevados gastos que debe afrontar el estado, sobre todo por las guerras imperiales, no pueden ser sostenidos por esa economía debilitada en la que apenas se ha desarrollado el comercio y la industria, por lo que se recurre a la deuda con prestamistas extranjeros, a cuyos intereses no siempre se puede hacer frente, por lo que se declara varias veces la bancarrota. España pierde inevitablemente su hegemonía en Europa y termina el siglo con un problema sucesorio al morir Carlos II sin descendencia.
Es el período de los Austrias menores (Felipe III, Felipe IV y Carlos II), que en un momento muy delicado y por diferentes razones delegaron su inmenso poder en manos de "validos" como el Duque de Lerma o el Conde-Duque de Olivares. Estos muchas veces ejercieron ese poder en su propio interés y beneficio, sin solucionar los graves problemas a los que se enfrentaba España: guerras continuas, sublevaciones interiores y exteriores, crisis agrícola y demográfica.
La población decrece de forma alarmante, los campos se cultivan cada vez menos, lo que acrecienta el hambre y la pobreza del pueblo. La mayoría de la población se hacina en las ciudades, donde predomina la miseria, la enfermedad y la amenaza constante de la muerte, mientras la corte continúa con su lujo y derroche. Lo elevados gastos que debe afrontar el estado, sobre todo por las guerras imperiales, no pueden ser sostenidos por esa economía debilitada en la que apenas se ha desarrollado el comercio y la industria, por lo que se recurre a la deuda con prestamistas extranjeros, a cuyos intereses no siempre se puede hacer frente, por lo que se declara varias veces la bancarrota. España pierde inevitablemente su hegemonía en Europa y termina el siglo con un problema sucesorio al morir Carlos II sin descendencia.
El arte barroco empezó siendo un arte propagandístico de la curia católica, mediante el encargo de construir numerosas iglesias que debían procurar atmósferas de solemnidad.
Con un propósito similar, el estilo barroco fue adoptado por los príncipes absolutistas y se convirtió en el estilo de la majestuosidad real. |
Barroco: crisis económica y social
Al ser Felipe II un defensor a ultranza de la Contrarreforma, los efectos de la Inquisición se dejan sentir en el siglo XVII: cualquier idea nueva es perseguida, por lo que España queda aislada del resto de Europa. Además los moriscos (musulmanes que quedan en España) son expulsados, lo que provoca una gran crisis agraria.
Por otro lado, las interminables guerras siguen sacudiendo al país, con una flota debilitada (tras la derrota de la Armada Invencible en el siglo anterior) que, además, tiene cada vez mayores dificultades para defender de los piratas a los barcos españoles, por lo que llega menos oro de América.
Los monarcas Felipe 111 (1598-1621, Felipe IV (1621-1665} Y Carlos II (1665-1700) dejaron los asuntos de Estado e manos de sus validos (nobles que gozaban de la confianza del rey), por lo que la corrupción llegó a la corte, y con ella el lujo desmedido, unos aires de grandeza que contrastaban con la realidad del país.
La consecuencia de todo lo anterior es una profunda crisis económica y social: crecen las desigualdades sociales, las ciudades se llenan todavía más de mendigos y pícaros, y la miseria está más presente que nunca.
El pesimismo y desengaño barrocos
La crisis económica y social lleva emparejada una crisis en el pensamiento: frente al optimismo renacentista, el siglo XVII se caracteriza por un pesimismo generalizado; frente a la confianza en el hombre y vitalidad del Renacimiento, se extiende en el Barroco una desconfianza en el individuo y en la vida terrenal.
De ahí que la vida se considere como un teatro, un sueño, un laberinto; un espacio, en fin, donde nada es lo que parece. De ahí, también, que la muerte o las reflexiones sobre la fugacidad de la vida ocupen gran parte de los escritos de la época.
Es importante destacar que esta crisis no se ve reflejada en el arte ni en la cultura; al contrario, este clima de deterioro favorece en gran medida una literatura de altísimo nivel.
Esta mentalidad pesimista y desengañada se expresará mediante un arte y una literatura muy distintas a las del Renacimiento. Así, a pesar de que algunos temas se mantienen (la mitología, el amor petrarquista, tópicos clásicos), el tratamiento es muy distinto. El arte ya no pretende reflejar la belleza, sino impresionar al espectador (provocar su "admiratio"), para lo cual el artista y el escritor han de demostrar su ingenio.
Se abandona la naturalidad, la sencillez, la armonía, la proporción, la simetría renacentistas, y el arte se vuelve artificioso, retorcido, oscuro, difícil, dinámico (se busca el movimiento, captar el instante efímero),
recargado, muy ornamentado. Hay un gusto por lo hiperbólico (las exageraciones) y los contrastes: lo sublime y lo grotesco, la belleza y la monstruosidad, lo claro y lo oscuro, lo serio y lo burlesco, lo culto y lo vulgar pueden aparecer en la misma obra.
Al ser Felipe II un defensor a ultranza de la Contrarreforma, los efectos de la Inquisición se dejan sentir en el siglo XVII: cualquier idea nueva es perseguida, por lo que España queda aislada del resto de Europa. Además los moriscos (musulmanes que quedan en España) son expulsados, lo que provoca una gran crisis agraria.
Por otro lado, las interminables guerras siguen sacudiendo al país, con una flota debilitada (tras la derrota de la Armada Invencible en el siglo anterior) que, además, tiene cada vez mayores dificultades para defender de los piratas a los barcos españoles, por lo que llega menos oro de América.
Los monarcas Felipe 111 (1598-1621, Felipe IV (1621-1665} Y Carlos II (1665-1700) dejaron los asuntos de Estado e manos de sus validos (nobles que gozaban de la confianza del rey), por lo que la corrupción llegó a la corte, y con ella el lujo desmedido, unos aires de grandeza que contrastaban con la realidad del país.
La consecuencia de todo lo anterior es una profunda crisis económica y social: crecen las desigualdades sociales, las ciudades se llenan todavía más de mendigos y pícaros, y la miseria está más presente que nunca.
El pesimismo y desengaño barrocos
La crisis económica y social lleva emparejada una crisis en el pensamiento: frente al optimismo renacentista, el siglo XVII se caracteriza por un pesimismo generalizado; frente a la confianza en el hombre y vitalidad del Renacimiento, se extiende en el Barroco una desconfianza en el individuo y en la vida terrenal.
De ahí que la vida se considere como un teatro, un sueño, un laberinto; un espacio, en fin, donde nada es lo que parece. De ahí, también, que la muerte o las reflexiones sobre la fugacidad de la vida ocupen gran parte de los escritos de la época.
Es importante destacar que esta crisis no se ve reflejada en el arte ni en la cultura; al contrario, este clima de deterioro favorece en gran medida una literatura de altísimo nivel.
Esta mentalidad pesimista y desengañada se expresará mediante un arte y una literatura muy distintas a las del Renacimiento. Así, a pesar de que algunos temas se mantienen (la mitología, el amor petrarquista, tópicos clásicos), el tratamiento es muy distinto. El arte ya no pretende reflejar la belleza, sino impresionar al espectador (provocar su "admiratio"), para lo cual el artista y el escritor han de demostrar su ingenio.
Se abandona la naturalidad, la sencillez, la armonía, la proporción, la simetría renacentistas, y el arte se vuelve artificioso, retorcido, oscuro, difícil, dinámico (se busca el movimiento, captar el instante efímero),
recargado, muy ornamentado. Hay un gusto por lo hiperbólico (las exageraciones) y los contrastes: lo sublime y lo grotesco, la belleza y la monstruosidad, lo claro y lo oscuro, lo serio y lo burlesco, lo culto y lo vulgar pueden aparecer en la misma obra.
Basílica de San Pedro en el Vaticano
Bernini
Imagen vía: Wikipedia
"Dafne y Apolo"
Recreación del mito de Apolo y Dafne con todos los valores estéticos del arte Barroco: dinamismo, complejidad, importancia de la perspectiva, reflejo del instante, expresividad. Según el punto de vista desde el que se lo mire, representa un momento de la historia del mito clásico (la persecución, la captura, la transformación). Se podría decir que la estatua es una y es varias. En el Barroco se mantienen muchos de los temas asuntos y tópicos característicos del Renacimiento (mitología, amor al estilo petrarquista, belleza femenina, etc.) pero el tratamiento es diferente. CARAVAGGIO
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Fachada del Obradoiro de la Catedral de Santiago.
Imagen vía: Wikipedia
"David"
Tratamiento diferente del mismo personaje que esculpió casi un siglo antes Miguel Angel. Aquí ya no se busca la belleza, sino la expresividad. Presenta a David en el momento de lanzar la honda (dinamismo), captando el instante fugaz en que tensa su cuerpo para el ataque. La expresión feroz contribuye a que no haya idealización sino realismo y expresividad. Según el punto de vista, la visión de la estatua cambia (complejidad, variedad). |
Imágenes vía: Wikipedia
REMBRANT, RUBENS Y JAN VERMEER
RIBERA, ZURBARÁN, MURILLO Y VELÁZQUEZ
"Las Meninas"
El más famoso cuadro de Velázquez, y uno de los más conocidos, imitados, versionados y citados de toda la historia del arte.
Una maravilla deslumbrante, de una modernidad pasmosa, un derroche de complejidad, profundidad, dinamismo e ingenio barrocos que no ha dejado de admirar a todas las generaciones que lo han contemplado.
Si el Quijote es un libro sobre literatura en que Cervantes se incluye a sí mismo y al espectador, rompiendo las barreras entre realidad y ficción y jugando constantemente con el perspectivismo, las Meninas es un cuadro sobre la pintura (el autor refleja un momento en la corte en el que él está pintando), que incluye al propio artista y al espectador, gracias al juego de planos y perspectivas (la parte de atrás del lienzo, el espejo, los personajes mirando al punto en el que se sitúa el espectador y supuestamente también los reyes) y al reflejo de una atmósfera que implica su continuidad más allá del lienzo. Como del Quijote, también de esta obra se han hecho muchas interpretaciones.
El más famoso cuadro de Velázquez, y uno de los más conocidos, imitados, versionados y citados de toda la historia del arte.
Una maravilla deslumbrante, de una modernidad pasmosa, un derroche de complejidad, profundidad, dinamismo e ingenio barrocos que no ha dejado de admirar a todas las generaciones que lo han contemplado.
Si el Quijote es un libro sobre literatura en que Cervantes se incluye a sí mismo y al espectador, rompiendo las barreras entre realidad y ficción y jugando constantemente con el perspectivismo, las Meninas es un cuadro sobre la pintura (el autor refleja un momento en la corte en el que él está pintando), que incluye al propio artista y al espectador, gracias al juego de planos y perspectivas (la parte de atrás del lienzo, el espejo, los personajes mirando al punto en el que se sitúa el espectador y supuestamente también los reyes) y al reflejo de una atmósfera que implica su continuidad más allá del lienzo. Como del Quijote, también de esta obra se han hecho muchas interpretaciones.
Bach, Vivaldi, el nacimiento de la ópera...
En música se aprecian características similares a las otras artes: el movimiento, los contrastes sonoros (por ejemplo, entre agudo y grave), la complejidad, las variaciones, la “ornamentación”. |
LITERATURA DEL SIGLO DE ORO
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RENACIMIENTO
El arte y la literatura en el Renacimiento abandonarán el didactismo a ultranza de la Edad Media, y perseguirán sobre todo una finalidad estética, es decir, de crear belleza y contribuir así a la felicidad y bienestar del hombre. Para ello, el arte y la literatura imitará la realidad pero solo en sus rasgos ideales o perfectos, y seguirán los valores estéticos clásicos, que creían que la Belleza se lograba a través de la simetría, el equilibrio, la naturalidad, la sencillez, la proporción, la armonía.
Además, el arte y la literatura se consideran imitación, en un doble sentido:
Además, el arte y la literatura se consideran imitación, en un doble sentido:
- De la realidad en sus rasgos ideales: la realidad aparece idealizada (las cosas no como son, sino como deberían ser: amor perfecto, belleza femenina idealizada, relatos idealistas...)
- De los grandes autores. En España, además de a los clásicos grecorromanos, se imitará a los grandes autores del Renacimiento italiano (Dante, Petrarca, Boccaccio):
- De los clásicos grecorromanos se tomarán:
- tópicos : locus amoenus, carpe diem, beatus ille,
- mitología: usada para reflejar situaciones o estados de ánimo
- géneros como la oda, la elegía, la epístola, la égloga, la sátira;
- De los italianos
- Petrarquismo: corriente de poesía amorosa nacida a partir de la obra de Francesco Petrarca, que dedicó sus poemas a un amor imposible, Laura, al que fue fiel incluso tras la muerte de la dama. Los poetas petrarquistas expresan un amor imposible, que provoca sufrimiento y ante el que llevan a cabo una introspección, es decir, un análisis de los sentimientos. Es muy importante la descripción de la amada, que aparece idealizada según el canon de belleza de la época, así como la naturaleza, que aparece bien como marco, bien como reflejo del estado de ánimo.
- Métrica, uso del endecasílabo y el heptasílabo, formas métricas como soneto, tercetos, canción en estancias.
- De los clásicos grecorromanos se tomarán:
- La primera mitad de s. XVI, época de Carlos I heredero de muchos territorios por vía materna (Castilla, las Canarias, América por conquistar, Corona de Aragón, Cerdeña, Sicilia, Nápoles, territorios en el sur de Italia, que permitieron contacto de primera mano con el Renacimiento y el Humanismo italianos) y por vía paterna, el imperio alemán. Fue un periodo de apertura a las nuevas corrientes que llegaban de Europa, que se truncó por el fracaso del proyecto imperial de Carlos I debido a la oposición que encontró en Alemania, donde triunfó el protestantismo, lo que le obligó a abdicar y renunciar a su herencia alemana, dejándole a su hijo sólo los territorios vinculados a Castilla y Aragón, y algunos territorios de las actuales Holanda y Bélgica.
- La segunda mitad del XVI, reinado de Felipe II en el que España es el mayor imperio del mundo gracias a la conquista de América, y otros puntos de África y Asia, lo que llevará a afirmar al monarca que "en sus territorios no se ponía el sol". Sin embargo, estaba muy presente la amenaza de la Reforma Protestante y sus revueltas, que no se había podido sofocar por las armas, por lo que la Iglesia convocó el Concilio de Trento, a partir del cual surgirá un movimiento denominado Contrarreforma, de lucha y reacción contra el protestantismo. España se pondrá en cabeza de este movimiento que supuso, entre otras cosas, la cerrazón a nuevas ideas (que se consideraban peligrosas), la persecución ideológica de luteranos y erasmistas (para lo que se utilizó la Inquisición), la censura y el uso del arte y la literatura para propagar y defender la fe católica, por lo que se llenarán de contenidos religIosos.
BARROCO
En literatura, el pesimismo hará que se produzca un auge de la literatura satírica (es decir, de crítica), tanto en forma de poesía como en prosa, aunque también habrá un arte de evasión y propaganda que se manifestará, sobre todo en el teatro, que conoce un momento de desarrollo extraordinario y esplendor.
En cuanto al estilo, el gusto por lo artificioso, lo recargado, lo hiperbólico, lo oscuro, lo difícil, lo complicado, se materializará en dos corrientes o tendencias estilísticas: el conceptismo y el culteranismo, que suponen una ruptura del equilibrio entre la forma (las palabras) y el contenido (las ideas).
El panorama literario de este segundo Siglo de Oro, que si en historia fue de decadencia y crisis, en arte y literatura fue de esplendor, podría resumirse, por géneros, así:
En cuanto al estilo, el gusto por lo artificioso, lo recargado, lo hiperbólico, lo oscuro, lo difícil, lo complicado, se materializará en dos corrientes o tendencias estilísticas: el conceptismo y el culteranismo, que suponen una ruptura del equilibrio entre la forma (las palabras) y el contenido (las ideas).
- El conceptismo complica el contenido: se busca la condensación expresiva, el "decir mucho con pocas palabras", para lo cual, se juega con sus significados, haciendo asociaciones ingeniosas de ideas, juegos de palabras, dilogías (usar una misma palabra con dos significados al mismo tiempo), antítesis, metáforas ingeniosas, comparaciones sorprendentes.... Su máximo representante será Francisco de Quevedo, uno de los escritores más ingeniosos, mordaces, sorprendentes y políticamente incorrectos de nuestras letras.
- El culteranismo complica la forma: cualquier realidad se nombra buscando la expresión más brillante y complicada posible, con abundancia de adjetivación, aliteraciones, paralelismos, metáforas insólitas, comparaciones, hipérbatos (alteraciones del orden) a veces violentísimos, alusiones mitológicas, cultismos... Su máximo representante será Luis de Góngora, que en algunas de sus obras lleva a tal extremo esta complicación formal, que llegó a recibir el apodo de "Príncipe de las Tinieblas".
El panorama literario de este segundo Siglo de Oro, que si en historia fue de decadencia y crisis, en arte y literatura fue de esplendor, podría resumirse, por géneros, así:
- Poesía: se cultiva sobretodo la poesía amorosa, filosófica, religiosa y satírico burlesca. También hay mucho gusto por los poemas de tema mitológico (en serio o pariodados) y se cultivan tanto los metros de origen italiano (endecasílabos, sonetos, tercetos, octavas) como los octosílabos, incluso con los estribillos que recuerdan a la poesía popular (sobre todo en las letrillas, te tema satírico). Los principales representantes serán Quevedo, Góngora y Lope de Vega.
- Prosa narrativa: aunque continúan cultivándose los géneros idealistas del Renacimiento (novelas pastoriles y bizantinas), el acontecimiento más significativo es el auge de la novela picaresca, género surgido imitando algunos rasgos del Lazarillo de Tormes. El Guzmán de Alfarache de Mateo Alemán y el Buscón de Quevedo serán los títulos más importantes.
- El teatro experimenta un auge extraordinario ,sobre todo cuando Lope de Vega dio con el tipo de obra adecuado para los corrales de comedias. Calderón de la Barca, por su parte, hará un teatro más culto, filosófico y orientado a la corte.
Texto tomado de: Diente de León
Aunque las características literarias que se dan en el Renacimiento y en el Barroco son distintas, muchas veces opuestas, no podemos hablar de ruptura sino de evolución: el Barroco supone una exageración y artificiosidad de las formas renacentistas. El Barroco NO FUE REACCIÓN, sino CRECIMIENTO y plenitud de una SEMILLA sembrada y madurada durante todo el siglo precedente, las FRONTERAS entre los dos SIGLOS son TAN POROSAS QUE NO SEPARAN SINO QUE TIENDEN. PUENTES E INNUMERABLES VASOS DE COMUNICACIÓN.
Fuente de la imagen: Libro de Literatura 3º ESO editorial ECIR TABARCA
GARCILASO DE LA VEGA
PRELIMINARES
Al igual que para entender la literatura medieval castellana, debíamos remontarnos a la Mesopotamia, cuna de las civilizaciones, y conocer los modelos literarios de los que nos servimos para crear en la Península Ibérica; para conocer el origen del Renacimiento castellano y su nueva mentalidad, debemos mirar inevitablemente a Roma.
Al igual que para entender la literatura medieval castellana, debíamos remontarnos a la Mesopotamia, cuna de las civilizaciones, y conocer los modelos literarios de los que nos servimos para crear en la Península Ibérica; para conocer el origen del Renacimiento castellano y su nueva mentalidad, debemos mirar inevitablemente a Roma.
Fuente de la imagen: Pinterest
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De la mano del gran poeta italiano Francesco Petrarca nacido en la Toscana a comienzos del S.XIV, la literatura del Siglo de Oro castellano pudo importar temas, estilos y metros nuevos.
Su padre desterrado a Aviñón (Francia) hizo que el poeta se familiarizara rápidamente con la lírica culta provenzal trovadoresca. Allí estudió humanidades y resultó ser un gran admirador de la literatura griega y latina clásica. Sus muchos viajes le ayudaron a tener una visión pagana de la realidad sin dejar de lado el cristianismo. Padre del Humanismo (pensamiento que revaloraba la Grecia clásica y exaltaba al ser humano), empezó a propugnar una nueva mentalidad, el antropocentrismo, centrada en el ser humano que empezó a creer en sus posibilidades creadoras. Tanto en la corona de Aragón sobre todo, como en la de Castilla el petrarquismo arraigó. |
Maestro del soneto y uno de los más grandes sonetista que influyó en la lírica europea poderosísimamente.
Su influencia fue tan grande que creó escuela literaria: el petrarquismo. El lírico de los líricos influyó en Garcilaso de la Vega y en Francisco de Quevedo. Su obra más importante y conocida es la del “Cancionero” formada básicamente por sonetos que consta de 2 partes: Rimas en vida de Madonna Laura y Rimas tras la muerte de Madonna Laura. El tema es el amor profundo por Laura, la fabricación literaria de la mujer ideal. superó con creces el amor cortés aprendido de los trovadores provenzales. Más allá de la mujer casada y de la cárcel de amor y del vasallaje del caballero hacia la dama imposible, Petrarca humanizó el amor y llegó hasta sus actos cotidianos. |
ACERCAMIENTO A LA FIGURA DE GARCILASO DE LA VEGA
1. BIOGRAFÍA
Encarnó el difícil ideal renacentista de “El Cortesano” de Castiglione. Su temprana muerte no supone vida malograda, muy acorde con el vitalismo del Renacimiento. Es un representante más de la frecuente fusión de las armas y las letras.
Nació en Toledo en 1503, según fecha generalmente admitida, aunque no está probada. De noble linaje en Toledo corre su infancia y adolescencia. En 1520 es nombrado contino, cargo de la guardia real y pasa a servicio de Carlos V, en el que permanecerá hasta encontrar la muerte. Basta leer las descripciones que de Toledo y del Tajo hace el poeta para comprender cuál clavados los lleva en la memoria.
En varias ocasiones estuvo muy cerca de la muerte y frente al bando localista y comunero que defendía su hermano, él luchó siempre junto al emperador siguiendo la idea imperial y católica.
Se casó con doña Elena de Zúñiga que no será la dama de sus cantos. Su vida es un vaivén continuo y se ve envuelto en múltiples batallas e intrigas cortesanas. Como el Cid desterrado es fiel vasallo de su señor.
Fue prototipo del cortesano. Combatió en la isla de Rodas, en Navarra contra los franceses, en Italia, en Túnez, y murió guerreando, contra los franceses. Cuando en Nápoles saboreó el refinamiento de la renacentista Italia, el juego de la muerte y del amor se entrecruzaron en su vida. La fecha más aceptada de su muerte fue en 1536 en Niza.
Siempre se ha dicho que un desasosiego íntimo llenaba de angustia su alma. ¿Cuál fue su tormento entre tanta fortuna? Un amor imposible, el desvío y más tarde la muerte de la amada. Y sobre todo, era su propio temperamento donde estaba la raíz íntima de su angustia. Tuvo amoríos y un amor, se lo inspiró la dama portuguesa Isabel Freyre. Al morir la dama escribió:
“…Echado está por tierra el fundamento
que mi vivir cansado sostenía…”
Isabel representa el ideal renacentista de rubia belleza femenina. Belleza no sólo material sino espiritual, de rasgos finos, ensoñadores y melancólicos: ojos claros, blanca mano, hermoso cuello blanco, enhiesto, rosa y azucena en el rostro y, ante todo, el oro del cabello. Doña Isabel no fue una abstracción como fue Laura para Petrarca. Canta a Isabel después de muerta, mas no como abstracción, sino como realidad dolorosa. Los siguientes amoríos, tal como dice Rubén Darío fueron;
“…pretextos de mis rimas
fantasmas de mi corazón…”
Poeta joven, sólo cantó el amor. Hay muy pocas resonancias guerreras en su obra. Sin embargo, su vida casi entera estuvo dedicada al ejercicio de las armas. Tuvo una muerte heroica.
2. OBRAS Y TEMAS
Su obra como su vida es breve y perfecta: tres églogas, dos elegías, una epístola, cinco canciones, treinta y ocho sonetos, ocho canciones en versos castellanos, algunas poesías en latín y, como muestra de su prosa, la carta dirigida a doña Jerónima Palova de Almogávar, publicada, a modo de introducción, con la traducción que de “El Cortesano” de Castiglione hizo Boscán.
Hizo una poesía íntima para él y para sus amigos.
Sus formas poéticas las tomó de Petrarca, de Tasso, de Bembo, Sannázaro y Virgilio. A través del artificio pastoril se nos da la más estremecida confidencia. Tras los artificios clásicos e italianizantes vibra su personalidad selecta. El amoroso y “dolorido sentir” es el principal tema de su obra.
Se ha discutido mucho a propósito de sus sentimientos religiosos y, en la opinión de muchos hablan de poeta totalmente laico. Sólo hay alguna referencia en su poesía a la creencia en otra vida, como cuando en la Elegía I habla de otros llanos, otros ríos, otros valles floridos que Isabel muerta pisaría con inmortales pies y que parecen anticipar los campos verdaderos… sin embargo Marcel Bataillon le parece imposible admitir la indiferencia religiosa en el que declaró su fe en su testamento, combatió junto al católico emperador y vivió y murió con tono y estilo de hidalgo español.
Se le ha querido presentar también como extranjerizante. Es innegable que fue italianizante en poesía, por esto Marichalar afirma: “Garcilaso coloniza la poesía toscana. Boscán, burgués y mediterráneo es el importador. Garcilaso va en son de conquista”.
Siguiendo la tradición española emplea, a veces, expresiones populares, y refranes aparecen entre los artificios italianos. Su italianismo no falseó, pues, la poesía española, sino que la fortaleció y renovó. Menéndez Pelayo explica cómo “no se trataba de un conflicto entre la poesía nacional y la trasplantada de Italia, sino un conflicto entre dos escuelas igualmente artificiosas, derivación lejana la una del arte provenzal y galaico-portugués, pero modificada ya desde fines del s. XV por elementos italianos”. Una vez más España asimiló lo de fuera y lo superó, como ocurrió con la estrofa llamada lira, tomada por Garcilaso de Bernardo Tasso y que en España se espiritualizó con Fray Luis de León y se divinizó con San Juan de la Cruz, según expresión de Dámaso Alonso.
Hay que afirmar que si las formas poéticas italianas sirvieron para contener el pensamiento de Fray Luis de León, los cantos imperiales de Herrera y el misticismo de San Juan de la Cruz, no pueden ya ser consideradas como extranjeras. La corriente popular no cesa, y el influjo italiano no ahoga las letrillas ni romances posteriores de los grandes poetas.
El sincero sentimiento amoroso de Garcilaso –tema principal de su poesía- late bajo el artificio bucólico. El bucolismo corresponde a un deseo de evasión de la vida cortesana, a un afán de descanso y paz. Una naturaleza soñada, no directamente observada, atrae a los poetas. El sentimiento renacentista de la Naturaleza hace que Garcilaso nos ofrezca sus paisajes de fondo. Suena siempre en sus versos el agua límpida y el rumor de los árboles movidos por la brisa.
3. ESTILO
Sigue siendo contemporáneo de cuantos a él se acercan. Su tono confidencial y emocionado, el acierto rotundo sin aparente esfuerzo, la suavidad, ese algo indefinible han permitido a sus versos ser leídos y admirados a lo largo de los siglos.. en su perfección técnica, nada sobra ni falta. Nos deja su lectura una sensación de serenidad equilibrada. Forma y fondo armonizados producen esta armonía, una sensación suave, insinuante, deleitosa. Se ha dicho que es el más clásico de los clásicos. Otros le llaman el romántico del clasicismo por su dejo nostálgico. Forma digna y sencilla, adjetivación sobria, versos melodiosos, dan a su poesía una claridad luminosa.
4. VERSIFICACIÓN
Menéndez y Pelayo indica que desde fines del S.XV la tendencia de los espíritus se encaminaba fatalmente a Italia.
Esta tendencia se inició con Francisco Imperial y el Marqués de Santillana (S.XV). Este último con los cuarenta y dos “Sonetos fechos al itálico modo” inició la aclimatación de esta forma poética en nuestra literatura. Torpe es el endecasílabo de estos poetas. En el siglo siguiente todavía titubeará Boscán, pero con Garcilaso se hace melodía perfecta y se impone definitivamente en España.
Boscán encuentra en Granada 1525 al embajador Andrea Navagiero y sostiene con él una conversación decisiva para la poesía española, pues éste anima a Boscán a ensayar en lengua castellana sonetos y otras artes de trovas usadas por los buenos autores de Italia.
Son las innovaciones traídas de Italia: la canción, el soneto, el terceto, la octava rima, la rima interna, la lira y el verso suelto. A Garcilaso se debe el triunfo definitivo de estas formas.
Emplea frecuentemente el endecasílabo con acento débil en sexta sílaba. También mucho el acentuado en cuarta y en octava y el acentuado en tercera o en cuarta con acento débil en sexta. Petrarca es casi siempre el modelo inmediato para el endecasílabo. De Sannazaro tomó la rima interna y de Bernardo Tasso tomó las liras de la Canción V ( Oda 2ª la flor de Gnido”): estrofa de cinco versos de rima consonante 7a11B7a7a11B
Si de mi baja lira
tanto pudiese el son, que en un momento
aplacase la ira
del animoso viento,
y la furia del mar y el movimiento;
Las estrofas que más usa son las estancias, los tercetos y las octavas.
No sólo toma de los poetas italianos las formas métricas sino también los temas.
Sus estancias en Italia permiten a su fina sensibilidad poética impregnarse de la belleza de las poesía italiana.
5. EDICIONES
A 20 del mes de marzo de 1543 aparece la primera edición de las obras de Garcilaso juntamente con las de Boscán.
Fue la esposa de Boscán, Ana Girón de Rebolledo la que la publicó. Esta musa del hogar, humanista y discreta, llevó su amoroso desvelo más allá de la muerte y procurando dar fama al marido difunto cumplió también la voluntad de éste uniendo en un volumen las obras de los dos poetas, que tan ligados estuvieron en vida. Boscán y Garcilaso fueron símbolo de unidad no sólo amistosa, sino también nacional. Un toledano y un barcelonés sellaron la hermandad de las letras hispanas.
La primera edición se reimprimió muchas veces. Como se leía más a Garcilaso se publicaron luego separadas. Ya en la edición anotada de 1574 hay ya treinta y cinco sonetos en vez de los veintinueve que aparecieron en las anteriores.
Cervantes, gran admirador de Garcilaso en su Licenciado Vidriera admira al poeta.
6. FUENTES
Bajo la copia late el sentimiento auténtico no ahogado por artificios.
Depuró a través de su sensibilidad y elegancia lo que de otros tomó. Pese al modelo, algo muy suyo, hondo y verdadero, vibra en sus versos. Como poeta humanista, que compuso versos en latín, rindió culto a los clásicos. El dulce Virgilio, Horacio, Ovidio se cuentan entre sus devociones. Italia –faro espiritual del Renacimiento-, en la cual pasó la época más intensa de su vida, cuya lengua dominó y a cuyos poetas trató, tenía que atraerlo. Y sobre todo, el claro fuego del Petrarca modelo de toda la lírica europea de entonces.
También le inspiraron Ariosto, Tansillo, Bernardo Tasso, Sannazaro. Lapesa dice que también le influyeron el poeta valenciano del S.XV Ausias March y el Cancionero.
Encarnó el difícil ideal renacentista de “El Cortesano” de Castiglione. Su temprana muerte no supone vida malograda, muy acorde con el vitalismo del Renacimiento. Es un representante más de la frecuente fusión de las armas y las letras.
Nació en Toledo en 1503, según fecha generalmente admitida, aunque no está probada. De noble linaje en Toledo corre su infancia y adolescencia. En 1520 es nombrado contino, cargo de la guardia real y pasa a servicio de Carlos V, en el que permanecerá hasta encontrar la muerte. Basta leer las descripciones que de Toledo y del Tajo hace el poeta para comprender cuál clavados los lleva en la memoria.
En varias ocasiones estuvo muy cerca de la muerte y frente al bando localista y comunero que defendía su hermano, él luchó siempre junto al emperador siguiendo la idea imperial y católica.
Se casó con doña Elena de Zúñiga que no será la dama de sus cantos. Su vida es un vaivén continuo y se ve envuelto en múltiples batallas e intrigas cortesanas. Como el Cid desterrado es fiel vasallo de su señor.
Fue prototipo del cortesano. Combatió en la isla de Rodas, en Navarra contra los franceses, en Italia, en Túnez, y murió guerreando, contra los franceses. Cuando en Nápoles saboreó el refinamiento de la renacentista Italia, el juego de la muerte y del amor se entrecruzaron en su vida. La fecha más aceptada de su muerte fue en 1536 en Niza.
Siempre se ha dicho que un desasosiego íntimo llenaba de angustia su alma. ¿Cuál fue su tormento entre tanta fortuna? Un amor imposible, el desvío y más tarde la muerte de la amada. Y sobre todo, era su propio temperamento donde estaba la raíz íntima de su angustia. Tuvo amoríos y un amor, se lo inspiró la dama portuguesa Isabel Freyre. Al morir la dama escribió:
“…Echado está por tierra el fundamento
que mi vivir cansado sostenía…”
Isabel representa el ideal renacentista de rubia belleza femenina. Belleza no sólo material sino espiritual, de rasgos finos, ensoñadores y melancólicos: ojos claros, blanca mano, hermoso cuello blanco, enhiesto, rosa y azucena en el rostro y, ante todo, el oro del cabello. Doña Isabel no fue una abstracción como fue Laura para Petrarca. Canta a Isabel después de muerta, mas no como abstracción, sino como realidad dolorosa. Los siguientes amoríos, tal como dice Rubén Darío fueron;
“…pretextos de mis rimas
fantasmas de mi corazón…”
Poeta joven, sólo cantó el amor. Hay muy pocas resonancias guerreras en su obra. Sin embargo, su vida casi entera estuvo dedicada al ejercicio de las armas. Tuvo una muerte heroica.
2. OBRAS Y TEMAS
Su obra como su vida es breve y perfecta: tres églogas, dos elegías, una epístola, cinco canciones, treinta y ocho sonetos, ocho canciones en versos castellanos, algunas poesías en latín y, como muestra de su prosa, la carta dirigida a doña Jerónima Palova de Almogávar, publicada, a modo de introducción, con la traducción que de “El Cortesano” de Castiglione hizo Boscán.
Hizo una poesía íntima para él y para sus amigos.
Sus formas poéticas las tomó de Petrarca, de Tasso, de Bembo, Sannázaro y Virgilio. A través del artificio pastoril se nos da la más estremecida confidencia. Tras los artificios clásicos e italianizantes vibra su personalidad selecta. El amoroso y “dolorido sentir” es el principal tema de su obra.
Se ha discutido mucho a propósito de sus sentimientos religiosos y, en la opinión de muchos hablan de poeta totalmente laico. Sólo hay alguna referencia en su poesía a la creencia en otra vida, como cuando en la Elegía I habla de otros llanos, otros ríos, otros valles floridos que Isabel muerta pisaría con inmortales pies y que parecen anticipar los campos verdaderos… sin embargo Marcel Bataillon le parece imposible admitir la indiferencia religiosa en el que declaró su fe en su testamento, combatió junto al católico emperador y vivió y murió con tono y estilo de hidalgo español.
Se le ha querido presentar también como extranjerizante. Es innegable que fue italianizante en poesía, por esto Marichalar afirma: “Garcilaso coloniza la poesía toscana. Boscán, burgués y mediterráneo es el importador. Garcilaso va en son de conquista”.
Siguiendo la tradición española emplea, a veces, expresiones populares, y refranes aparecen entre los artificios italianos. Su italianismo no falseó, pues, la poesía española, sino que la fortaleció y renovó. Menéndez Pelayo explica cómo “no se trataba de un conflicto entre la poesía nacional y la trasplantada de Italia, sino un conflicto entre dos escuelas igualmente artificiosas, derivación lejana la una del arte provenzal y galaico-portugués, pero modificada ya desde fines del s. XV por elementos italianos”. Una vez más España asimiló lo de fuera y lo superó, como ocurrió con la estrofa llamada lira, tomada por Garcilaso de Bernardo Tasso y que en España se espiritualizó con Fray Luis de León y se divinizó con San Juan de la Cruz, según expresión de Dámaso Alonso.
Hay que afirmar que si las formas poéticas italianas sirvieron para contener el pensamiento de Fray Luis de León, los cantos imperiales de Herrera y el misticismo de San Juan de la Cruz, no pueden ya ser consideradas como extranjeras. La corriente popular no cesa, y el influjo italiano no ahoga las letrillas ni romances posteriores de los grandes poetas.
El sincero sentimiento amoroso de Garcilaso –tema principal de su poesía- late bajo el artificio bucólico. El bucolismo corresponde a un deseo de evasión de la vida cortesana, a un afán de descanso y paz. Una naturaleza soñada, no directamente observada, atrae a los poetas. El sentimiento renacentista de la Naturaleza hace que Garcilaso nos ofrezca sus paisajes de fondo. Suena siempre en sus versos el agua límpida y el rumor de los árboles movidos por la brisa.
3. ESTILO
Sigue siendo contemporáneo de cuantos a él se acercan. Su tono confidencial y emocionado, el acierto rotundo sin aparente esfuerzo, la suavidad, ese algo indefinible han permitido a sus versos ser leídos y admirados a lo largo de los siglos.. en su perfección técnica, nada sobra ni falta. Nos deja su lectura una sensación de serenidad equilibrada. Forma y fondo armonizados producen esta armonía, una sensación suave, insinuante, deleitosa. Se ha dicho que es el más clásico de los clásicos. Otros le llaman el romántico del clasicismo por su dejo nostálgico. Forma digna y sencilla, adjetivación sobria, versos melodiosos, dan a su poesía una claridad luminosa.
4. VERSIFICACIÓN
Menéndez y Pelayo indica que desde fines del S.XV la tendencia de los espíritus se encaminaba fatalmente a Italia.
Esta tendencia se inició con Francisco Imperial y el Marqués de Santillana (S.XV). Este último con los cuarenta y dos “Sonetos fechos al itálico modo” inició la aclimatación de esta forma poética en nuestra literatura. Torpe es el endecasílabo de estos poetas. En el siglo siguiente todavía titubeará Boscán, pero con Garcilaso se hace melodía perfecta y se impone definitivamente en España.
Boscán encuentra en Granada 1525 al embajador Andrea Navagiero y sostiene con él una conversación decisiva para la poesía española, pues éste anima a Boscán a ensayar en lengua castellana sonetos y otras artes de trovas usadas por los buenos autores de Italia.
Son las innovaciones traídas de Italia: la canción, el soneto, el terceto, la octava rima, la rima interna, la lira y el verso suelto. A Garcilaso se debe el triunfo definitivo de estas formas.
Emplea frecuentemente el endecasílabo con acento débil en sexta sílaba. También mucho el acentuado en cuarta y en octava y el acentuado en tercera o en cuarta con acento débil en sexta. Petrarca es casi siempre el modelo inmediato para el endecasílabo. De Sannazaro tomó la rima interna y de Bernardo Tasso tomó las liras de la Canción V ( Oda 2ª la flor de Gnido”): estrofa de cinco versos de rima consonante 7a11B7a7a11B
Si de mi baja lira
tanto pudiese el son, que en un momento
aplacase la ira
del animoso viento,
y la furia del mar y el movimiento;
Las estrofas que más usa son las estancias, los tercetos y las octavas.
No sólo toma de los poetas italianos las formas métricas sino también los temas.
Sus estancias en Italia permiten a su fina sensibilidad poética impregnarse de la belleza de las poesía italiana.
5. EDICIONES
A 20 del mes de marzo de 1543 aparece la primera edición de las obras de Garcilaso juntamente con las de Boscán.
Fue la esposa de Boscán, Ana Girón de Rebolledo la que la publicó. Esta musa del hogar, humanista y discreta, llevó su amoroso desvelo más allá de la muerte y procurando dar fama al marido difunto cumplió también la voluntad de éste uniendo en un volumen las obras de los dos poetas, que tan ligados estuvieron en vida. Boscán y Garcilaso fueron símbolo de unidad no sólo amistosa, sino también nacional. Un toledano y un barcelonés sellaron la hermandad de las letras hispanas.
La primera edición se reimprimió muchas veces. Como se leía más a Garcilaso se publicaron luego separadas. Ya en la edición anotada de 1574 hay ya treinta y cinco sonetos en vez de los veintinueve que aparecieron en las anteriores.
Cervantes, gran admirador de Garcilaso en su Licenciado Vidriera admira al poeta.
6. FUENTES
Bajo la copia late el sentimiento auténtico no ahogado por artificios.
Depuró a través de su sensibilidad y elegancia lo que de otros tomó. Pese al modelo, algo muy suyo, hondo y verdadero, vibra en sus versos. Como poeta humanista, que compuso versos en latín, rindió culto a los clásicos. El dulce Virgilio, Horacio, Ovidio se cuentan entre sus devociones. Italia –faro espiritual del Renacimiento-, en la cual pasó la época más intensa de su vida, cuya lengua dominó y a cuyos poetas trató, tenía que atraerlo. Y sobre todo, el claro fuego del Petrarca modelo de toda la lírica europea de entonces.
También le inspiraron Ariosto, Tansillo, Bernardo Tasso, Sannazaro. Lapesa dice que también le influyeron el poeta valenciano del S.XV Ausias March y el Cancionero.
Estos apuntes están entresacados de esta edición:
Garcilaso de la Vega: “Poesía castellana completa”. Edición de Consuelo Burell. Edit: CÁTEDRA. Año 1979.
Garcilaso de la Vega: “Poesía castellana completa”. Edición de Consuelo Burell. Edit: CÁTEDRA. Año 1979.
RECURSOS PARA TRABAJAR LA DEBATIDORA
Antes de comenzar a hablar de la enemistad entre Quevedo y Góngora, vamos a contextualizar a ambos literatos para conocerlos mejor.
- Luis de Góngora (1561-1627) Góngora es uno de los autores del Siglo de Oro más destacados y estudiados. Nació en Córdoba y, debido a su manera tan peculiar y original de usar el lenguaje literario, creó un estilo propio que se conoce como culteranismo. Góngora apostaba por volver al estilo de los poetas clásicos y emplear algunas figuras retóricas como el hipérbaton, así como palabras cultas. El resultado de su estilo eran poemas complejos de comprender y llenos de un léxico poco cotidiano.
- Francisco de Quevedo (1580-1645) Por otro lado, tenemos a Quevedo, un autor casi 20 años más joven que Góngora y que representa la otra cara de la moneda. Este autor originario de Madrid es el propulsor de una nueva corriente estética conocida como conceptismo y que, como su propio nombre sugiere, apuesta por volver al concepto propio de la palabra y, después, darle varios significados. Un autor que apuesta por la polisemia y que tiene un estilo más sencillo de comprender.
Texto tomado de un profesor
Conceptismo y culteranismo
En realidad, son dos tendencias estéticas que rompen con el equilibrio renacentista entre forma y contenido a partir de la pretensión de sus seguidores de sorprender y admirar al lector con su originalidad.
Culteranismo y conceptismo partirían de un mismo principio, el del ingenio, que une realidades que entre sí no tienen nada que ver porque se produce la identificación entre objetos remotos. El lector debe realizar un esfuerzo intelectual solo permitido al ingenioso. Ambas tendencias persiguen la expresión oscura, aunque el culteranismo exige del lector no sólo el ingenio, sino además una amplia cultura porque emplea abundantes latinismos, cultismos y metáforas muy complejas, además de referencias mitológicas, históricas, etc. En ambos subyace la ideología del Barroco y reflejan su complejidad expresiva y su tendencia a la acumulación, pero se diferencian en algunos aspectos que en ningún caso se han de considerar excluyentes.
CULTERANISMO
• Preocupación por la belleza formal:
CONCEPTISMO
• Preocupación por la expresión del contenido:
Culteranismo y conceptismo partirían de un mismo principio, el del ingenio, que une realidades que entre sí no tienen nada que ver porque se produce la identificación entre objetos remotos. El lector debe realizar un esfuerzo intelectual solo permitido al ingenioso. Ambas tendencias persiguen la expresión oscura, aunque el culteranismo exige del lector no sólo el ingenio, sino además una amplia cultura porque emplea abundantes latinismos, cultismos y metáforas muy complejas, además de referencias mitológicas, históricas, etc. En ambos subyace la ideología del Barroco y reflejan su complejidad expresiva y su tendencia a la acumulación, pero se diferencian en algunos aspectos que en ningún caso se han de considerar excluyentes.
CULTERANISMO
• Preocupación por la belleza formal:
- Tendencia a la idealización de la realidad.
- Ornamentación exuberante
- Búsqueda del esplendor estilístico.
- Sintaxis latina: hipérbatos, encabalgamientos perífrasis, correlaciones y plurimembraciones, etc.
- Vocabulario: incorporación de cultismos y de voces coloristas y sonoras.
- Recursos semánticos: metáforas, metonimias, imágenes.
- Recursos fónicos: aliteraciones, paronomasias, palabras esdrújulas que dan música al verso.
CONCEPTISMO
• Preocupación por la expresión del contenido:
- Tiende a la sutileza y se basa en las asociaciones ingeniosas de palabras o ideas
- Su ideal es el laconismo y la sentenciosidad
- Sintaxis: frase breve y sintética: "Lo bueno, si breve, dos veces bueno" dirá Gracián
- Vocabulario: se juega con los significados de las palabras y con sus dobles o triples sentidos:
- Recursos retóricos: antítesis, paradojas, hipérboles, juegos de palabras, elisiones...
EL MOTOR DE NUESTRA DEBATIDORA
Si existen dos archienemigos históricos comparables a Batman y Joker o a Superman y Lex Luthor, esos son Quevedo y Góngora. Ambos eran vecinos en el barrio de las Letras, llamado así porque todos nuestros grandes escritores del Siglo de Oro vivieron aquí, en prácticamente tres calles. Todos eran vecinos y por lo tanto, todos se conocían, pero eso no significa que todos fueran amigos. De hecho hubo muchos piques. Uno de los más famosos fue el que protagonizaron Quevedo y Góngora.
El escritor e investigador Jesús Callejo nos cuenta un montón de detalles sobre este particular "derbi" en este programa de El punto sobre la historia (Telemadrid) Los dos escritores llegaron a insultarse mutuamente, eso sí, con mucho arte.
El escritor e investigador Jesús Callejo nos cuenta un montón de detalles sobre este particular "derbi" en este programa de El punto sobre la historia (Telemadrid) Los dos escritores llegaron a insultarse mutuamente, eso sí, con mucho arte.
Quevedo reprochaba al poeta cordobés sus innovaciones lingüísticas; mientras que Góngora acusaba al joven Quevedo de traducir mal las obras del griego
La polémica literaria acabó convirtiéndose en odio personal: Góngora se burlaba de la cojera de Quevedo y de su afición a la bebida y las tabernas (QUEBEBO lo llamaba) y Quevedo le acusaba de ser mal sacerdote, de tener origen judío (su nariz lo delataba) y de ser un jugador empedernido.
La polémica literaria acabó convirtiéndose en odio personal: Góngora se burlaba de la cojera de Quevedo y de su afición a la bebida y las tabernas (QUEBEBO lo llamaba) y Quevedo le acusaba de ser mal sacerdote, de tener origen judío (su nariz lo delataba) y de ser un jugador empedernido.
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Y dirimían sus diferencias en combates de versos:
De Quevedo a Góngora
Yo te untaré mis obras con tocino |
De Góngora a Quevedo
Anacreonte español, no hay quien os tope, |
De Quevedo a Góngora
Tantos años y tantos todo el día; |
De Góngora a Quevedo
Cierto poeta, en forma peregrina |
La publicación de Soledades y el Polifemo convirtió las sátiras personales que venían cruzándose en una polémica literaria. Quevedo ridiculizó el estilo de Góngora y las parodias quevedescas empezaron a circular.
Aguja de navegar cultos con la receta para hacer “Soledades” en un día, y es probada.Quien quisiere ser Góngora en un día |
Contra Don Luis de Gongora
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En el primer poema nos enseña cómo, siguiendo sus indicaciones, podemos acabar escribiendo como Góngora en un día. El título del segundo deja clara su intención y se posiciona contra su forma de escribir le acusa de utilizar términos muy rebuscados para decir cosas sencillas y para ello nos muestra cómo hablaría Góngora del “culo”.
Esta son solo algunos ejemplos ilustrativos del enfrentamiento poético más violento de la historia de la literatura. Aunque no podemos olvidar el famosísimo soneto A una nariz, con el que lo acusaba una vez más de ser judío.
Érase un hombre a una nariz pegado, |
La encarnizada batalla entre Don Luis de Góngora y Argote y Francisco de Quevedo y Villegas ha llegado hasta nuestros días.
En la lectura de El Capitán Alatriste (1996) habéis presenciado a Quevedo a punto de librar duelo en una taberna con un seguidor de Góngora. El cómic Cosas de dos de Oriel Jardi y Jordi March publicado por la editorial Fandogamia en 2017, es un recopilatorio de historias protagonizadas por parejas célebres (Thelma y Louis, Romeo y Julieta, Platón y Sócrates, Juana de Arco y Dios...) que ha reservado un hueco para inmortalizar el conflicto protagonizado por Quevedo y Góngora. Incluso en un sello postal se caricaturizaba a los poetas. |
Incluso, como señala el artículo de El Correo Quevedo y Góngora siguen peleándose en las redes, en Twitter existen dos perfiles que siguen perpetuando la inquina @Gongora_Revixit y @QuebeboVillegas
TEXTOS ARGUMENTATIVOS
“Primero di de qué hablarás; luego, habla, y, para terminar, di de qué has hablado.”
La argumentación consiste en defender una opinión o idea (también llamada tesis). Para defender esa idea se tienen que aportar razones que la justifiquen (argumentos) con la intención de convencer al destinatario de su validez.
Sin duda, para realizar una argumentación convincente debemos emplean argumentos adecuados y razonados. Según para qué los usemos existen dos tipos:
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Cualquier texto argumentativo, ya sea oral o escrito, suele presentar las siguientes partes:
- Tesis: es la idea u opinión que se defiende. Ha de ser breve y clara. No podemos confundir la tesis con el tema: el tema de un texto puede ser, por ejemplo, “las drogas”; la tesis, en cambio, será la opinión concreta que se tenga sobre ese tema, por ejemplo “el consumo de drogas solo podrá combatirse con éxito si se legalizan.”
- Argumentos: son las razones, motivos o datos que se dan para defender la tesis. Nos detendremos en ellos más abajo.
- Conclusión: se usa para terminar el texto confirmando la tesis inicial (se suele recoger la tesis y resumir los argumentos empleados).
EL DEBATE
Ejemplos de debates
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- Debate: Aspectos generales del debate
- Debate: Busqueda y organización de la información
- Debate: Busqueda de información
- Debate: Como organizar el trabajo del equipo de debate
- Debate escolar: trabajo en equipo
- Debate escolar: La confianza y el trabajo en equipo
- Debate: Como organizar nuestros argumentos
- Debate: La estructura de los discursos
- Debate: Objetivos y estructura de la introducción
- Debate: Objetivo y estructura de las refutaciones
- Debate: Técnicas de refutación
- Debate: Objetivos y estructurta de la conclusión
- Debate: Realizar y responder preguntas en el debate
- Debate: Vestimenta
- Debate escolar: El papel del juez en el debate
- Debate escolar: Cómo evaluar un discurso. El feedback
FUENTE DE LA INFORMACIÓN: dientrelecturas.blogspot.com.es
RECURSOS PARA EL CURRICULUM VITAE DEL LAZARILLO DE TORMES
El Renacimiento es una época optimista, vitalista, idealista y empapada por todas partes de influencia clásica, de ahí que en el XVI, los relatos más leídos (que lo fueron mucho, gracias a la imprenta, con la que los relatos extensos en prosa conocieran toda una eclosión imposible cuando los libros había que copiarlos a mano) y que podemos considerar como representativos de este momento sean precisamente los denominados "relatos idealistas": argumentos idealizados (amor, aventura, heroísmo, exotismo, refinamiento...), muy alejados de la realidad cotidiana, protagonizados por personajes también idealizados (caballeros guapos y valerosos, damas bellísimas y refinadas, pastores cultos y sentimentales...) que no evolucionan, situados en lugares idílicos o exóticos (desde el locus amoenus, siempre maravilloso y primaveral, a las lejanísimas Islandia o Grecia), en épocas remotas o indeterminadas, contados por un narrador omnisciente en 3ª persona que utiliza, al igual que sus personajes, una lengua culta, elegante, bella y refinada. Como los personajes no evolucionan, además, estos relatos presentaban una estructura en sarta de episodios o aventuras independientes e intercambiables cada uno con su planteamiento, su nudo y desenlace. Esto permitía prolongarlas indefinidamente, por lo que solían tener un final abierto y la promesa de una continuación que muchas veces se hacía realidad en una segunda (o incluso tercera o cuarta) parte.
Así serán los libros de caballerías, las novelas pastoriles y las novelas bizantinas, que llevan estos rasgos a la ambientación característica de cada género.
Y en medio de este panorama de idealismo y refinamiento, en 1554, de forma anónima y contado en 1ª persona (lo que aumentaba la sensación de realidad), aparece una novela ambientada en ciudades reconocibles (Salamanca, Toledo, Escalona) y contando la nada idílica historia de un pequeño obligado por la vida a "buscarse la vida" de amo en amo, y sobrevivir al hambre, los golpes, las crueldad y a falsedad para terminar siendo un personaje cínico y moralmente despreciable. Una obra realista, que reflejaba además la cara menos agradable de la realidad de la época, ese imperio que ya presentaba síntomas de miseria y decadencia, y que se titulaba también con un nombre (en este caso humilde) y una patria (un pequeño río): Lazarillo de Tormes, que inaugura un nuevo tipo de relatos, los realistas, que durante el XVII darán lugar a la novela picaresca (que siempre cuenta como un protagonista de clase baja intenta sobrevivir y ascender a base de tretas, hurtos y engaños pasando por distintos amos que reflejan a distintas clases sociales)
El protagonista, Lázaro de Tormes, a diferencia de los de los relatos idealistas, evoluciona: de hecho, se nos cuenta cómo se va formado y educando el personaje con su paso por distintos amos hasta llegar a su situación final. Y no está idealizado, sino que es un antihéroe, obligado por la vida a hurtar y engañar con el humilde propósito de poder comer y sobrevivir.
La novela tiene forma autobiográfica (está narrada en primera persona por el protagonista, Lázaro de Tormes) y epistolar: la narración tiene forma de carta a un tal Vuesa Merced que ha pedido explicaciones al pregonero de Toledo (Lázaro adulto) sobre un "caso", un rumor que corre en Toledo acerca de su situación.
Para explicárselo, Lázaro decide contarle toda su vida, desde su nacimiento, que se expone como explicación y causa de esa situación final. Se trata, por tanto, de una narración retrospectiva: Lázaro adulto, desde la situación final del desenlace, recuerda toda su vida desde el principio.
El Lazarillo está dividido en un Prólogo, que deja clara esa forma de carta a Vuestra Merced para explicarle el "caso" y siete tratados, en los que Lázaro narra su paso por diferentes amos que pertenecen a distintos estamentos o clases sociales, de los que se hace una crítica.
Así serán los libros de caballerías, las novelas pastoriles y las novelas bizantinas, que llevan estos rasgos a la ambientación característica de cada género.
- Los libros de caballerías eran un género medieval (comenzaron en el siglo XV) pero ahora causan verdadero furor, y se leen por todas partes. Narran las aventuras de un héroe individual e itinerante, el caballero andante, que se lanza por el mundo en busca de aventuras para honrar a su dama, y en su interés por "desfacer entuertos" y ayudar a los desvalidos y necesitados, encontrará fieros enemigos, descomunales gigantes, magos, brujas, ungüentos, encantamientos e innumerables elementos fantásticos e inverosímiles que Cervantes considerará disparatados. Además, usaban una lengua complicadísima, retorcida y arcaizante, con los rasgos todavía medievales cuando el castellano hablado en el siglo XVI era muy diferente. Los títulos suelen repetir el esquema del primer libro, Amadís de Gaula: nombre exótico de caballero seguido de su patria, no menos exótica, lejana o directamente inventada: Palmerín de Grecia, Palmerín de Olivia, Belianís de Grecia... Su esplendor durará hasta el libro nacido para acabar con ellos: el Quijote (que luego llegaría a ser más.... mucho más).
- Las novelas pastoriles, por su parte, no son más que la adaptación de la misma temática bucólico-pastoril que veíamos en las Églogas (y cuyo origen último era la literatura clásica, especialmente Virgilio) a la narrativa en prosa. También aquí los protagonistas serán refinados pastores idealizados y ninfas que, en el marco de ese locus amoenus maravilloso cuentan y cantan sus penas de amor. El argumento es enrevesadísimo, con muchísimos personajes relacionados entre sí por amores imposibles, sufrimiento y celos, y una lengua muy refinada que suele intercalar poemas. La primera obra de Cervantes, La Galatea, pertenece también a este género.
- La novela bizantina será un género muy prestigioso porque surge a imitación de la novela grecorromana (sobre todo, Teágenes y Clariclea, cuya traducción fue el pistoletazo de salida para el género). Cuenta la historia de dos jóvenes y guapos enamorados que se ven separados por todo tipo de vicisitudes y aventuras (identidades secretas, matrimonios forzados, secuestros, viajes....) por tierras lejanas y exóticas hasta el reencuentro final. El Persiles y Sigismunda, de Cervantes es un ejemplo del género (tan prestigioso, que esta fue la obra más ambiciosa del autor del Quijote, por la que él creía que sería recordado)
Y en medio de este panorama de idealismo y refinamiento, en 1554, de forma anónima y contado en 1ª persona (lo que aumentaba la sensación de realidad), aparece una novela ambientada en ciudades reconocibles (Salamanca, Toledo, Escalona) y contando la nada idílica historia de un pequeño obligado por la vida a "buscarse la vida" de amo en amo, y sobrevivir al hambre, los golpes, las crueldad y a falsedad para terminar siendo un personaje cínico y moralmente despreciable. Una obra realista, que reflejaba además la cara menos agradable de la realidad de la época, ese imperio que ya presentaba síntomas de miseria y decadencia, y que se titulaba también con un nombre (en este caso humilde) y una patria (un pequeño río): Lazarillo de Tormes, que inaugura un nuevo tipo de relatos, los realistas, que durante el XVII darán lugar a la novela picaresca (que siempre cuenta como un protagonista de clase baja intenta sobrevivir y ascender a base de tretas, hurtos y engaños pasando por distintos amos que reflejan a distintas clases sociales)
El protagonista, Lázaro de Tormes, a diferencia de los de los relatos idealistas, evoluciona: de hecho, se nos cuenta cómo se va formado y educando el personaje con su paso por distintos amos hasta llegar a su situación final. Y no está idealizado, sino que es un antihéroe, obligado por la vida a hurtar y engañar con el humilde propósito de poder comer y sobrevivir.
La novela tiene forma autobiográfica (está narrada en primera persona por el protagonista, Lázaro de Tormes) y epistolar: la narración tiene forma de carta a un tal Vuesa Merced que ha pedido explicaciones al pregonero de Toledo (Lázaro adulto) sobre un "caso", un rumor que corre en Toledo acerca de su situación.
Para explicárselo, Lázaro decide contarle toda su vida, desde su nacimiento, que se expone como explicación y causa de esa situación final. Se trata, por tanto, de una narración retrospectiva: Lázaro adulto, desde la situación final del desenlace, recuerda toda su vida desde el principio.
El Lazarillo está dividido en un Prólogo, que deja clara esa forma de carta a Vuestra Merced para explicarle el "caso" y siete tratados, en los que Lázaro narra su paso por diferentes amos que pertenecen a distintos estamentos o clases sociales, de los que se hace una crítica.
- Los tres primeros tratados son los más largos y más desarrollados (el ciego, el clérigo de Maqueda y el hidalgo). En ellos quedan ya representados los tres principales estamentos, así como las reflexiones del protagonista que dan cuenta de como lo que va viviendo le va haciendo aprender y evolucionar.
- Los tratados del IV al VI son más breves, y en alguno de ellos Lázaro aparece casi como mero espectador (por ejemplo, el del buldero)
- En el VII, por fin y mediante la ironía, el lector descubre cuál es ese "caso" por el que Vuesa Merced pide explicaciones a Lázaro y en el que está involucrado el último amo y protector de Lázaro, el Arcipreste de San Salvador, que, como varios otros de sus amos, pertenece al estamento clerical, al que en la obra se hace una crítica feroz próxima al erasmismo y que explica en parte que el autor jamás quisiera revelar su nombre, porque en la incipiente Contrarreforma podría tener problemas con la Inquisición (de hecho, el Lazarillo llegó a prohibirse a finales de siglo).
Texto tomado de: Diente de León
CONCEPTOS CLAVE PARA COMPRENDER LA OBRA
El libro nos narra una de esas infancias terribles, y además de reflejar la dureza de la vida de un niño español de clase baja en el siglo XVI, plantea otra gran cuestión: cómo marca eso al personaje. Porque el Lazarillo es sobre todo la historia de la mala educación, una sociedad que en vez de educar al personaje para que sea la mejor persona posible, le hace crecer en el hambre, la miseria y hasta la violencia, ofreciéndole sólo lecciones de hipocresía, crueldad, egoísmo y falsedad que llevan al personaje a ser lo que es al final. Y si no, fijaos en la cantidad de ocasiones en que tras narrar algo, el narrador cuenta cómo le afectó, lo que pensó o sintió ("dije yo entre mí"...)
Para comprender la obra es muy importante el concepto de "honra": el prestigio, la estimación social, el ser alguien respetado y respetable, que si bien siempre, desde la Edad Media, había sido importantísima, en nuestro país llegará a convertirse en toda una obsesión. En el XVI, entre otras cosas, estaba ya vinculada a la limpieza de sangre (a no ser ni ser descendiente de judíos o musulmanes conversos), a no tener antecedentes delictivos, y que en la familia no se faltara al matrimonio (con infidelidades, hijos ilegítimos o relaciones prematrimoniales....). Todas estas cosas podían ser motivo de "deshonra".
La "nobleza" como título nobiliario, aunque no era imprescindible para tener honra era una especie de garantía para ella. Una de las características de los nobles, que les diferenciaban del pueblo llano, era que no trabajaban, sino que vivían de rentas (de cobrar por sus tierras), incluso aunque no se dedicasen ya a las armas, como la antigua nobleza guerrera. Este rechazo del trabajo como algo poco honroso (y ligado a "clase baja" o poco prestigio social) llegará a convertirse en un prejuicio con terribles consecuencias para nuestra economía (en España la burguesía nunca llegó a consolidarse como clase poderosa, porque en cuanto se enriquecían con sus negocios los burgueses intentaban emparentar con la nobleza, o comprar tierras y título y "vivir de rentas", como los nobles). Se convierte en un tipo de honra basada sobre todo en títulos, apellidos, apariencias, que es lo que hay que cuidar, y esto explica, por ejemplo, que el escudero (o hidalgo) del Lazarillo, prefiera estar bien vestido y sin comer antes que ponerse a trabajar o muchísimo menos, mendigar (como sí hace Lázaro) o que el protagonista, en cuanto logra reunir algo de dinero, lo primero que haga sea comprarse "ropas de hombre de bien".
Lázaro es un personaje que nace en la deshonra (fijaos bien por qué, cuando leáis lo que cuenta sobre sus orígenes), y que aunque él afirme lo contrario, termina también en la deshonra (leed con mucho cuidado y atención cual es su verdadera situación final, porque hay mucha ironía). A diferencia de otras obras de su época (como los libros de caballerías, que causaban por entonces furor) es una obra realista, que narra la vida de un personaje cotidiano, de clase baja: un antihéroe que no realiza grandes hazañas sino todo lo contrario: sobrevive a base de pequeñas tretas para poder comer, aunque sea mediante el engaño. Y refleja la realidad de su época tanto por los personajes, las situaciones como los lugares reales en que se sitúa: el Tormes, Toledo, Escalona, Salamanca (donde está, por ejemplo, el toro de piedra contra el que el ciego golpea a su criado)
Para comprender la obra es muy importante el concepto de "honra": el prestigio, la estimación social, el ser alguien respetado y respetable, que si bien siempre, desde la Edad Media, había sido importantísima, en nuestro país llegará a convertirse en toda una obsesión. En el XVI, entre otras cosas, estaba ya vinculada a la limpieza de sangre (a no ser ni ser descendiente de judíos o musulmanes conversos), a no tener antecedentes delictivos, y que en la familia no se faltara al matrimonio (con infidelidades, hijos ilegítimos o relaciones prematrimoniales....). Todas estas cosas podían ser motivo de "deshonra".
La "nobleza" como título nobiliario, aunque no era imprescindible para tener honra era una especie de garantía para ella. Una de las características de los nobles, que les diferenciaban del pueblo llano, era que no trabajaban, sino que vivían de rentas (de cobrar por sus tierras), incluso aunque no se dedicasen ya a las armas, como la antigua nobleza guerrera. Este rechazo del trabajo como algo poco honroso (y ligado a "clase baja" o poco prestigio social) llegará a convertirse en un prejuicio con terribles consecuencias para nuestra economía (en España la burguesía nunca llegó a consolidarse como clase poderosa, porque en cuanto se enriquecían con sus negocios los burgueses intentaban emparentar con la nobleza, o comprar tierras y título y "vivir de rentas", como los nobles). Se convierte en un tipo de honra basada sobre todo en títulos, apellidos, apariencias, que es lo que hay que cuidar, y esto explica, por ejemplo, que el escudero (o hidalgo) del Lazarillo, prefiera estar bien vestido y sin comer antes que ponerse a trabajar o muchísimo menos, mendigar (como sí hace Lázaro) o que el protagonista, en cuanto logra reunir algo de dinero, lo primero que haga sea comprarse "ropas de hombre de bien".
Lázaro es un personaje que nace en la deshonra (fijaos bien por qué, cuando leáis lo que cuenta sobre sus orígenes), y que aunque él afirme lo contrario, termina también en la deshonra (leed con mucho cuidado y atención cual es su verdadera situación final, porque hay mucha ironía). A diferencia de otras obras de su época (como los libros de caballerías, que causaban por entonces furor) es una obra realista, que narra la vida de un personaje cotidiano, de clase baja: un antihéroe que no realiza grandes hazañas sino todo lo contrario: sobrevive a base de pequeñas tretas para poder comer, aunque sea mediante el engaño. Y refleja la realidad de su época tanto por los personajes, las situaciones como los lugares reales en que se sitúa: el Tormes, Toledo, Escalona, Salamanca (donde está, por ejemplo, el toro de piedra contra el que el ciego golpea a su criado)
Texto tomado de: Diente de León
DEL EMBELLECIMIENTO DE LA REALIDAD AL REFLEJO DE LA REALIDAD
Y en medio de este panorama de idealismo y refinamiento, de forma anónima y contado en 1ª persona (lo que aumentaba la sensación de realidad), aparece una novela ambientada en ciudades reconocibles (Salamanca, Toledo, Escalona) y contando la nada idílica historia de un pequeño obligado a "buscarse la vida" de amo en amo, y sobrevivir al hambre, los golpes, las crueldad y La falsedad para terminar siendo un personaje cínico y moralmente despreciable.
Una obra realista, que reflejaba además la cara menos agradable de la realidad de la época, ese imperio que ya presentaba síntomas de miseria y decadencia, y que se titulaba también con un nombre (en este caso humilde) y una patria (un pequeño río): Lazarillo de Tormes, que inaugura un nuevo tipo de relatos, los realistas, que durante el XVII darán lugar a la novela picaresca (que siempre cuenta como un protagonista de clase baja intenta sobrevivir y ascender a base de tretas, hurtos y engaños pasando por distintos amos que reflejan a distintas clases sociales).
Un cambio novelístico radical
En 1554 aparece la novela Lazarillo de Tormes, en la que el protagonista es un niño de los bajos fondos que roba y engaña para sobrevivir.
Frente a la fantasía y falta de verosimilitud de las novelas idealistas, nace así un tipo de relato que muestra la realidad con toda su crudeza.
Se trata de la primera novela picaresca, que tendrá continuidad y alcanzará su apogeo en el siglo XVII barroco.
En 1605 Cervantes publicó la primera parte de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, una novela que no solo sintetiza el carácter fantástico y realista de las mencionadas arriba, sino que propone un nuevo concepto narrativo.
Con el Quijote nace la novela moderna.
Y en medio de este panorama de idealismo y refinamiento, de forma anónima y contado en 1ª persona (lo que aumentaba la sensación de realidad), aparece una novela ambientada en ciudades reconocibles (Salamanca, Toledo, Escalona) y contando la nada idílica historia de un pequeño obligado a "buscarse la vida" de amo en amo, y sobrevivir al hambre, los golpes, las crueldad y La falsedad para terminar siendo un personaje cínico y moralmente despreciable.
Una obra realista, que reflejaba además la cara menos agradable de la realidad de la época, ese imperio que ya presentaba síntomas de miseria y decadencia, y que se titulaba también con un nombre (en este caso humilde) y una patria (un pequeño río): Lazarillo de Tormes, que inaugura un nuevo tipo de relatos, los realistas, que durante el XVII darán lugar a la novela picaresca (que siempre cuenta como un protagonista de clase baja intenta sobrevivir y ascender a base de tretas, hurtos y engaños pasando por distintos amos que reflejan a distintas clases sociales).
Un cambio novelístico radical
En 1554 aparece la novela Lazarillo de Tormes, en la que el protagonista es un niño de los bajos fondos que roba y engaña para sobrevivir.
Frente a la fantasía y falta de verosimilitud de las novelas idealistas, nace así un tipo de relato que muestra la realidad con toda su crudeza.
Se trata de la primera novela picaresca, que tendrá continuidad y alcanzará su apogeo en el siglo XVII barroco.
En 1605 Cervantes publicó la primera parte de El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, una novela que no solo sintetiza el carácter fantástico y realista de las mencionadas arriba, sino que propone un nuevo concepto narrativo.
Con el Quijote nace la novela moderna.
Fuente de la presentación: Hautatzen
El libro
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La película
Lazarillo de Tormes from Joseba Kilika on Lázaro de Tormes de José Luis García Sánchez
y Fernando Fernán-Gómez. 2000 |
CÓMO COMPLETAR UN CURRÍCULUM VITAE y LA CARTA DE PRESENTACIÓN
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ENLACES DE INTERÉS
CERVANTES & DON QUIJOTE
Fuente de la presentación: Hautatzen
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Cervantes VR: Sumérgete en la vida y obra de Cervantes con esta aplicación de REALIDAD VIRTUAL
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Miguel de Cervantes Saavedra nació en Alcalá de Henares en 1547. Muy joven se fue a Roma al servicio del cardenal Acquaviva. Se enroló en la Armada española y en la batalla de Lepanto perdió la mano izquierda, por lo que r el nombre de El manco de Lepanto.
En 1575, de regreso a España, fue prisionero por los turcos y permaneció cinco años en una cárcel de Argel.
Ya en Madrid, descubrió que su familia estaba en la ruina. Sin poder ejercer más como militar, se dedicó a asuntos administrativos y a la literatura.
Intentó destacar en el teatro, pero no consiguió mucho éxito y tuvo que sobrevivir como recaudador de impuestos.
Fue a la cárcel dos veces más por deudas
Al final de su vida le llegó el triunfo literario, pero ello no lo liberó de sus problemas económicos. Murió en Madrid el 22 de abril de 1616.
En 1575, de regreso a España, fue prisionero por los turcos y permaneció cinco años en una cárcel de Argel.
Ya en Madrid, descubrió que su familia estaba en la ruina. Sin poder ejercer más como militar, se dedicó a asuntos administrativos y a la literatura.
Intentó destacar en el teatro, pero no consiguió mucho éxito y tuvo que sobrevivir como recaudador de impuestos.
Fue a la cárcel dos veces más por deudas
Al final de su vida le llegó el triunfo literario, pero ello no lo liberó de sus problemas económicos. Murió en Madrid el 22 de abril de 1616.
Fuente de la imagen: sinc
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DON QUIJOTE DE LA MANCHA
Estructura y argumento de la obra
En 1605 Miguel de Cervantes publicó la primera parte de El ingenio hidalgo don Quijote de la Mancha: Alonso Quijano, de tanto leer novelas de caballerías, decide hacerse caballero andante y sale a recorrer los caminos. Apaleado, regresa a su aldea y convence a Sancho Panza para que lo acompañe como escudero. Después de vivir juntos distintas aventuras y desventuras, vuelven malheridos a la aldea.
Fue tal el éxito de la primera parte, que Cervantes escribió El ingenio caballero don Quijote de la Mancha en 1615: nuestros protagonistas ya son conocidos por los otros personajes y son objeto de distintas burlas. Al final, regresan a la aldea, donde Alonso Quijano muere, cuerdo y arrepentido.
En 1614, un año antes de la publicación de la segunda parte de El Quijote, apareció en Tarragona una continuación de la primera de Alfonso Fernández de Avellaneda, un amigo de Lope de Vega y enemigo de Cervantes. Desde luego, la obra no alcanza en absoluto la categoría de la de Cervantes, pero este se sintió herido y en su segunda parte ridiculiza a Fernández de Avellaneda.
Los personajes
Don Quijote y Sancho representan dos caras opuestas:
Además de la pareja, adquieren importancia en la novela las mujeres:
Sentido e importancia de la novela
Se trata por un lado de la burla de los libros de caballerías como un género que ya solo se copiaba a sí mismo. De hecho, parece ser que Cervantes logró su objetivo: tras El Quijote, ya no se publicarán más.
Por otro lado, al girar la novela en torno a la realidad y la fantasía, se plantea la relatividad de las cosas: las apariencias engañan; el mismo fenómeno puede interpretarse desde distintos puntos de vista.
Se trata de una novela sumamente moderna para la época porque juega con el narrador (Cervantes sería un mero traductor), con los géneros literarios (aparecen novelas intercaladas, poemas, etc.) y humaniza tanto a sus personajes que parece que hayan salido de la propia novela.
La prosa de El Quijote alcanza un nivel altísimo: se da un lenguaje refinado renacentista, burla e ironía, y al mismo tiempo, se emplea un lenguaje sencillo y natural. Si hoy en día un hombre culto conoce unos cinco o seis millones de términos, en sus obras Cervantes utiliza más de 12.000 palabras distintas.
En 1605 Miguel de Cervantes publicó la primera parte de El ingenio hidalgo don Quijote de la Mancha: Alonso Quijano, de tanto leer novelas de caballerías, decide hacerse caballero andante y sale a recorrer los caminos. Apaleado, regresa a su aldea y convence a Sancho Panza para que lo acompañe como escudero. Después de vivir juntos distintas aventuras y desventuras, vuelven malheridos a la aldea.
Fue tal el éxito de la primera parte, que Cervantes escribió El ingenio caballero don Quijote de la Mancha en 1615: nuestros protagonistas ya son conocidos por los otros personajes y son objeto de distintas burlas. Al final, regresan a la aldea, donde Alonso Quijano muere, cuerdo y arrepentido.
En 1614, un año antes de la publicación de la segunda parte de El Quijote, apareció en Tarragona una continuación de la primera de Alfonso Fernández de Avellaneda, un amigo de Lope de Vega y enemigo de Cervantes. Desde luego, la obra no alcanza en absoluto la categoría de la de Cervantes, pero este se sintió herido y en su segunda parte ridiculiza a Fernández de Avellaneda.
Los personajes
Don Quijote y Sancho representan dos caras opuestas:
- Físicamente, son la antítesis del caballero y del escudero: el primero, delgado y mayor; el segundo, gran comedor, bebedor (de ahí la panza) y poco hábil.
- Su cultura y forma de hablar es distinta; don Quijote es culto, usa latinismos y una sintaxis elaborada; Sancho es un rústico al que se le llena la boca de refranes.
- Don Quijote es idealista y soñador, aunque al final recobra el juicio; Sancho se muestra realista y práctico al principio, pero a medida que vive aventuras se va "quijotizando".
Además de la pareja, adquieren importancia en la novela las mujeres:
- El ama, la sobrina de Quijano, Aldonza Lorenzo representan la realidad humilde y cotidiana.
- Don Quijote se encuentra por el camino a mujeres que le cuentan sus historias; Marcela, Dorotea o Zoraida pertenecen al mundo ideal de la aventura.
- Dulcinea del Toboso solo existe en la imaginación del Quijote, representa el máximo grado de idealismo.
Sentido e importancia de la novela
Se trata por un lado de la burla de los libros de caballerías como un género que ya solo se copiaba a sí mismo. De hecho, parece ser que Cervantes logró su objetivo: tras El Quijote, ya no se publicarán más.
Por otro lado, al girar la novela en torno a la realidad y la fantasía, se plantea la relatividad de las cosas: las apariencias engañan; el mismo fenómeno puede interpretarse desde distintos puntos de vista.
Se trata de una novela sumamente moderna para la época porque juega con el narrador (Cervantes sería un mero traductor), con los géneros literarios (aparecen novelas intercaladas, poemas, etc.) y humaniza tanto a sus personajes que parece que hayan salido de la propia novela.
La prosa de El Quijote alcanza un nivel altísimo: se da un lenguaje refinado renacentista, burla e ironía, y al mismo tiempo, se emplea un lenguaje sencillo y natural. Si hoy en día un hombre culto conoce unos cinco o seis millones de términos, en sus obras Cervantes utiliza más de 12.000 palabras distintas.
RECURSOS VISUALES
Fuentes de las imágenes: Quijote Facts on Pinterest
RECURSOS AUDIOVISUALES
Vamos a destacar dos producciones españolas de la obra para la pequeña pantalla.
ENLACES DE INTERÉS
LOS CORRALES DE COMEDIA
Los corrales de comedias son los lugares donde se representan las obras teatrales de la segunda mitad del XVI y el XVII, a las que acudían desde nobles cultos y refinados (era frecuente la asistencia del mismísimo rey) hasta las clases más bajas y analfabetas.
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No era fácil dar con una obra adecuada para un público tan variopinto y unas circunstancias de representación tan marcadas,
máxime teniendo en cuenta que este teatro empieza en el XVI, el siglo del Renacimiento, en el que la literatura era imitación de los autores clásicos cuyas normas debían ser respetadas. Y en teatro (género muy desarrollado en la literatura clásica grecorromana) estas normas eran muy rígidas y estaban además fijadas por el mismísimo Aristóteles (s. IV a.C). |
Básicamente, estas normas clásicas aristotélicas eran:
- La separación tajante y rigurosa entre subgéneros:
- Comedia: obra cómica que pretende hacer reír, con un asunto cotidiano, ligero, de enredo, protagonizada por personajes bajos (campesinos, criados, soldados, prostitutas...), final feliz y lenguaje coloquial (con frases hechas, juegos de palabras, chistes e incluso tacos)
- Tragedia: obra seria, que pretende conmover al espectador, por lo que trata un tema elevado (el honor, la lucha contra el destino, el deber, el amor imposible...), con final necesariamente desgraciado, personajes nobles y elevados (nobles, reyes, héroes, dioses...) y un estilo culto y cuidado.
- La regla de las tres unidades:
- lugar: los sucesos representados sobre el escenario debían ocurrir en el mismo lugar.
- tiempo: lo representado no debía durar más de 24 horas.
- acción: un solo argumento o asunto
- División en cinco actos.
Texto tomado de: Diente de León
Del teatro medieval a la renovación renacentista
Durante la Edad Media apenas se habían dado textos interesantes. Las ceremonias religiosas eran los únicos actos que se escenificaban. Y La Celestina, una obra de tanta calidad, no había creado escuela, puesto que sus numerosos seguidores se fijaron solo en el ambiente de los bajos fondos y en el personaje de Celestina, sin cultivar los aspectos dramáticos de la obra.
El ambiente teatral italiano irrumpió con fuerza en algunas ciudades españolas, en las que se empezaron a representar obras de teatro. Sobre todo, llegaron a Valencia compañías italianas con nuevas ideas para la representación, y es allí donde empezaron a escenificarse las primeras propuestas serias.
A dicha ciudad llegó Lope de Vega, y en medio de su ambiente teatral comenzó a crear la Comedia Nacional (es decir, la obra o pieza teatral con unas características determinadas, las que fijó el propio Lope).
Características de la comedia nueva barroca
Tras su paso por Valencia, Lope de Vega fija en su poema-ensayo El arte nuevo de hacer comedias (1609) las características del teatro barroco:
Durante la Edad Media apenas se habían dado textos interesantes. Las ceremonias religiosas eran los únicos actos que se escenificaban. Y La Celestina, una obra de tanta calidad, no había creado escuela, puesto que sus numerosos seguidores se fijaron solo en el ambiente de los bajos fondos y en el personaje de Celestina, sin cultivar los aspectos dramáticos de la obra.
El ambiente teatral italiano irrumpió con fuerza en algunas ciudades españolas, en las que se empezaron a representar obras de teatro. Sobre todo, llegaron a Valencia compañías italianas con nuevas ideas para la representación, y es allí donde empezaron a escenificarse las primeras propuestas serias.
A dicha ciudad llegó Lope de Vega, y en medio de su ambiente teatral comenzó a crear la Comedia Nacional (es decir, la obra o pieza teatral con unas características determinadas, las que fijó el propio Lope).
Características de la comedia nueva barroca
Tras su paso por Valencia, Lope de Vega fija en su poema-ensayo El arte nuevo de hacer comedias (1609) las características del teatro barroco:
- Ha de entretener, se trata por lo tanto de un teatro popular.
- Ha de presentar tres actos (planteamiento, nudo y desenlace) para favorecer la intriga. De hecho, el primer acto comienza de modo abrupto, para crear dinamismo desde el principio.
- Se mezcla la tragedia con la comedia: se da una acción protagonizada por los nobles y otra paralela, por los criados.
- Se rompe con las rígidas reglas clásicas de las tres unidades. Puede haber dos o tres acciones a la vez, los hechos pueden durar años, y ocurrirán en distintos lugares.
- Los temas son muy variados y surgen de distintas fuentes: romances, crónicas, la Biblia, la mitología ... Justamente de los romances y de las crónicas toma Lope el que será el tema principal del teatro barroco: el honor, que se basa en la "opinión" de los demás .
- Los personajes son tipos, responden a un patrón fijo: el galán, la dama, el rey, etc. El más característico es el gracioso, que actúa como narrador de sucesos no presentes en la escena, o como puente con el público en apartes .
- Se escribe en verso. La métrica varía según el asunto que se trate: la redondilla para el amor, el terceto para el tono grave, las décimas para las quejas, etc.
LOPE DE VEGA
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Lope de Vega y Carpio (1562-1635) nació en Madrid, pero a los 25 años fue desterrado por un escándalo amoroso con la actriz Elena Osario, pese a lo cual, raptó a otra dama, Isabel de Urbina, que se convertiría en su primera esposa. Después de navegar con la Armada Invencible y de hacerse famoso en Valencia con sus propuestas teatrales, regresó a Madrid en 1595. Viudo en dos ocasiones, se ordenó sacerdote a los 51 años, aunque todavía tuvo tiempo de conocer a otro gran amor: Marta Nevares. Sus últimos años fueron dolorosos, puesto que perdió a su mujer y a su hijo, y otra hija fue raptada. Era un autor tan conocido que a su funeral acudió en masa el pueblo de Madrid.
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En el siglo XVII, Lope de Vega, tuvo la genialidad de acertar con una fórmula teatral de éxito seguida por todos los autores a partir de entonces. Se le llamó la COMEDIA NUEVA para distinguirse de la obra teatral clásica. Esta comedia combinaba la calidad literaria con la capacidad de atraer al público, objetivo que logró como nadie.
En 1609 Lope compuso su Arte nuevo de hacer comedias, breve e irónica obra en la pretende explicar su concepción teatral y defenderse de los que le critican por apartarse de los modelos clásicos. A lo largo de su tratado va mostrando las características que tienen las obras que escribe:
En 1609 Lope compuso su Arte nuevo de hacer comedias, breve e irónica obra en la pretende explicar su concepción teatral y defenderse de los que le critican por apartarse de los modelos clásicos. A lo largo de su tratado va mostrando las características que tienen las obras que escribe:
- Número de actos: Divide la comedia en tres actos (unos tres mil versos) y los llama jornadas.(El teatro clásico tenía cinco actos).
- Propone la mezcla de lo trágico y lo cómico. La comedia ha de representar la variedad, igual que la vida. Esto implica que en una misma obra pueden aparecer personajes nobles y plebeyos, reyes y campesinos... Se mezclan los estratos sociales, aunque se guarda el decoro en la forma de hablar, comportarse, vestirse... El gracioso (papel interpretado por el criado del galán) aparece incluso en las obras más trágicas o más graves.
- El teatro clásico proponía el respeto de las tres unidades -acción, tiempo y lugar-. La obra debía tener una única acción y desarrollarse en un mismo lugar y durante una jornada. Lope acepta, aunque no la observe en sus comedias, la unidad de acción; sin embargo, por razones de verosimilitud, cree innecesario guardar las de tiempo y espacio.
- Las obras teatrales se escriben en verso. El escritor utiliza diferentes tipos de estrofas según las situaciones. (polimetría)
- El gusto: Lope admite que las reglas del teatro clásico están bien, pero cada época es distinta y los gustos del público varían. Así que hay que adaptarse a ellos, puesto que el público es el que paga. El fin de la comedia es provocar el disfrute del público.
Y cuando he de escribir una comedia encierro los preceptos con seis llaves, saco a Terencio y a Plauto de mi estudio para que no me den voces; que suele dar gritos la verdad en libros mudos, y escribo por el arte que inventaron los que vulgar aplauso pretendieron porque COMO LAS PAGA EL VULGO ES JUSTO HABLARLE EN NECIO PARA DARLE GUSTO"
Lope de Vega. Arte nuevo de hacer comedias
Los géneros
Ya hemos dicho que las obras que se escriben en el xiglo XVII siguiendo la fóruma de Lope se les llamó genéricamente comedias, aunque este nombre no se corresponde con el concepto clásico de comedia.De hecho, muchas de las obras que se escriben en el barroco son tragicomedias o dramas: tienen elementos trágicos mezclados con contrapuntos cómicos y pueden tener un final feliz o desdichado.
COMEDIAS: mezclan personajes elevados y bajos y tienen un final feliz.
TRAGICOMEDIAS O DRAMAS: mezclan personajes elevados y bajos, situaciones trágicas y cómicas y pueden acabar bien o mal.
Ya hemos dicho que las obras que se escriben en el xiglo XVII siguiendo la fóruma de Lope se les llamó genéricamente comedias, aunque este nombre no se corresponde con el concepto clásico de comedia.De hecho, muchas de las obras que se escriben en el barroco son tragicomedias o dramas: tienen elementos trágicos mezclados con contrapuntos cómicos y pueden tener un final feliz o desdichado.
COMEDIAS: mezclan personajes elevados y bajos y tienen un final feliz.
TRAGICOMEDIAS O DRAMAS: mezclan personajes elevados y bajos, situaciones trágicas y cómicas y pueden acabar bien o mal.
Buen EJEMPLO nos da LA NATURALEZA, QUE POR TAL VARIEDAD TIENE BELLEZA"
Lope de Vega. Arte nuevo de hacer comedias
Los temas
Los temas preferidos del teatro barroco son:
Comedias históricas y legendarias: Fuenteovejuna.
Comedias de aparato: tienen una puesta en escena complicada y necesitan ser representadas en un teatro de corte. Suelen acompañarse de canto y baile: Ni amor se libra de amor de Calderón.
Dramas filosóficos y religiosos, que tratan temas como el destino, la libertad del individuo, el poder divino...: La vida es sueño.
Dramas de honor en los que se plantea un problema de honra: El médico de su honra de Calderón.
Autos sacramentales: representaciones espectaculares que tienen como tema un asunto de fe.
Los personajes
Los personajes más habituales en la comedia del siglo de Oro son:
Los temas preferidos del teatro barroco son:
- el HONOR y la HONRA: Ambas cosas se sustentan en la opinión que los demás tienen de uno mismo, en su buen nombre personal o familiar. Si se pierde el honor, lo justo es recuperarlo con venganza y sangre si es necesario. El honor suele estar ligado a la mujer y los encargados de limpiar las manchas de honor son los hombres. Por eso es tan frecuente en la comedia la mujer vestida de hombre que se traviste para recuperar o vengar la deshonra. Si una doncella perdía su honor, el código de la comedia sólo ofrecía dos soluciones: el matrimonio o la muerte del seductor. La vida real era otra cosa. Afortunadamente.
- el AMOR: La conquista de una dama por el galán (o a la inversa) es el eje temático de numerosas comedias: El perro del hortelano de Lope, por ejemplo.
Comedias históricas y legendarias: Fuenteovejuna.
Comedias de aparato: tienen una puesta en escena complicada y necesitan ser representadas en un teatro de corte. Suelen acompañarse de canto y baile: Ni amor se libra de amor de Calderón.
Dramas filosóficos y religiosos, que tratan temas como el destino, la libertad del individuo, el poder divino...: La vida es sueño.
Dramas de honor en los que se plantea un problema de honra: El médico de su honra de Calderón.
Autos sacramentales: representaciones espectaculares que tienen como tema un asunto de fe.
Los personajes
Los personajes más habituales en la comedia del siglo de Oro son:
- EL REY, si es joven, es un galán soberbio y a veces injusto; si es viejo, es prudente y necesario para restablecer la justicia.
- EL GALÁN reúne todas las virtudes; juventud, generosidad, paciencia, capacidad de sufrimiento... Los sentimientos que le mueven son: amor, celos y honra.
- EL ANTAGONISTA, suele ser un noble que abusa de su poder, es tirano y malvado. Su papel en la comedia es negativo. Sólo puede castigarle el rey.
- LA DAMA, complemento femenino del galán, es noble, idealista, audaz y constante. Salvo raras excepciones (El perro del hortelano), los personajes femeninos responden a la pasividad social que tenían en su tiempo. Es muy habitual el personaje de la mujer que se disfraza de hombre para realizar acciones masculinas como la defensa de su honra. Esta mujer varonil suele crear situaciones de enredo muy del gusto de la época.
- EL PADRE DE LA DAMA (el barba). Es un hombre ejemplar que defiende el honor.
- EL GRACIOSO o DONAIRE es el tipo por antonomasia de la comedia española, suele ser el criado del galán, pero también su consejero y amigo y su contrapunto en el carácter. Es ingenioso, cobarde, ama el dinero, los placeres y la comida. Suele emparejarse con la criada de la dama. Sus intervenciones rompen la tensión y el dramatismo.
- LA CRIADA es la confidente y acompañante de la dama que desempeña una especie de papel de gracioso en mujer.
SU OBRA
Lope de Vega, como Cervantes, abarcó todos los géneros, Además de excelente poeta, escribió cientos de obras de teatro, por lo que recibió el sobrenombre de Fénix de los ingenios.
Su teatro se caracteriza por el dinamismo, la agilidad de la acción. Al mismo tiempo, ese teatro popular, que perseguía entretener al público, respira una enorme carga poética.
Su obra teatral puede dividirse en:
SEGUIDORES DE LOPE
El estilo teatral de Lope fue seguido por muchos autores, algunos de los cuales destacan por su calidad literaria:
Lope de Vega, como Cervantes, abarcó todos los géneros, Además de excelente poeta, escribió cientos de obras de teatro, por lo que recibió el sobrenombre de Fénix de los ingenios.
Su teatro se caracteriza por el dinamismo, la agilidad de la acción. Al mismo tiempo, ese teatro popular, que perseguía entretener al público, respira una enorme carga poética.
Su obra teatral puede dividirse en:
- Tragedias o dramas de honor: como son los demás los que dan o quitan la honra, uno ha de vigilar que no haya mancha alguna en la familia. Suele ser ser un noble el que abusa de su poder sobre algún villano; es el rey el que suele impartir justicia. Entre otras: Fuenteovejuna; El mejor alcalde, el rey; Peribañez y el Comendador de Ocaña; El Caballero de Olmedo...
- Comedias de capa y espada: se presentan enredos amorosos. Entre otras: La dama boba; El perro del hortelano; El villano en su rincón.
SEGUIDORES DE LOPE
El estilo teatral de Lope fue seguido por muchos autores, algunos de los cuales destacan por su calidad literaria:
- A TIrso de Molina (1579-1648) se le debe la creación del mito de don Juan con El burlador de Sevilla.
- El valenciano Guillén de Castro (1569-1631) recreó una bella historia de amor y honor en Las mocedades del Cid.
- El gaditano Antonio Mira de Amescua (1574-1644) recreó el mito de Fausto en El esclavo del demonio.
RECURSOS AUDIOVISUALES
VER PELÍCULA EN FILMIN |
PERIBÁÑEZ Y EL COMENDADOR DE OCAÑAPuedes ver su representación filmada en 1970 para el mítico programa de Televisión Española Estudio 1, pinchando aquí.
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EL MINISTERIO DEL TIEMPO Y LOPE DE VEGA
La figura de Lope de Vega recientemente ha dado un salto a la televisión, al aparecer como personaje recurrente en la serie de TVE, El Ministerio del Tiempo. En ella hemos visto una imagen renovada de Lope de Vega como ser humano, imagen que se distancia de la postura puramente laudatoria heredada de sus biógrafos del siglo XIX y parte del XX. La serie trata de reevaluar qué puede significar para los espectadores de hoy en día la vida y obra de uno de los mayores dramaturgos del Siglo de Oro, visto desde la óptica de la cultura popular y de la ficción.
TEMPORADA 1: "Tiempo de Gloria" TEMPORADA 2: "Tiempo de hidalgos" TEMPORADA 3: "Tiempo de esplendor" |
PEDRO CALDERÓN DE LA BARCA (1600 - 1681)
EL AUTOR
Pedro Calderón de la Barca (1600-1681) nació en Madrid, pero se formó en Alcalá y Salamanca. A los veinte años dejó los estudios religiosos para dedicarse al teatro y viajar por Italia y Flandes. Regresó con un buen número de obras bajo el brazo. que estrenó en la Corte con gran éxito. El rey lo nombró caballero de la Orden de Santiago en 1637. En 1651 fue ordenado sacerdote, y en 1663 nombrado capellán de honor de Felipe IV. De hecho, Calderón había escrito y seguiría escribiendo muchas obras de encargo para los reyes, así como celebraciones religiosas. |
DE LOPE A CALDERÓN
Aunque Calderón de la Barca se hace eco de las propuestas teatrales de Lope y reelabora en algunas de sus mejores obras temas originales del Fénix de los ingenios, lo cierto es que alcanza una mayor perfección técnica y madurez formal.
En el teatro de Lope primaba la variedad de asuntos y la acción. Calderón subordina la acción al pensamiento, esto es, reduce el número de temas simultáneos y concentra la acción en torno al protagonista, sus conflictos internos. De esta manera refuerza la intensidad dramática, puesto que los elementos secudarios giran en torno al personaje principal.
Las obras de Lope adolecen de cierto apresuramiento y frescos desaliños. Calderón construye sus obras con un andamiaje riguroso, a través de precisos paralelismos entre el protagonista y el antagonista.
En fin, las obras de Calderón se inscriben por completo dentro de la estética barroca de los contrastes, los estilos culteranista y conceptista, los extremos violentos o la complicación de la tramoya.
SU OBRA
Según el balance que el mismo Calderón hizo el mismo año de su muerte, escribió ciento diez comedias y ochenta autos sacramentales, loas, entremeses y otras obras menores.
Sus comedias pueden dividirse en:
Aunque Calderón de la Barca se hace eco de las propuestas teatrales de Lope y reelabora en algunas de sus mejores obras temas originales del Fénix de los ingenios, lo cierto es que alcanza una mayor perfección técnica y madurez formal.
En el teatro de Lope primaba la variedad de asuntos y la acción. Calderón subordina la acción al pensamiento, esto es, reduce el número de temas simultáneos y concentra la acción en torno al protagonista, sus conflictos internos. De esta manera refuerza la intensidad dramática, puesto que los elementos secudarios giran en torno al personaje principal.
Las obras de Lope adolecen de cierto apresuramiento y frescos desaliños. Calderón construye sus obras con un andamiaje riguroso, a través de precisos paralelismos entre el protagonista y el antagonista.
En fin, las obras de Calderón se inscriben por completo dentro de la estética barroca de los contrastes, los estilos culteranista y conceptista, los extremos violentos o la complicación de la tramoya.
SU OBRA
Según el balance que el mismo Calderón hizo el mismo año de su muerte, escribió ciento diez comedias y ochenta autos sacramentales, loas, entremeses y otras obras menores.
Sus comedias pueden dividirse en:
- Dramas de honor: Calderón no se contenta como Lope en recrear escenas de reparación del honor, sino que va más allá, muestra el conflicto interno de los personajes: saben que deben a toda costa defender el honor ante los demás, pero comprenden lo ridículo del acto y el precio emocional que han de pagar. Entre otras obras: El médico de su honra; El pintor de su deshonra; El alcalde de Zalamea.
- Dramas filosóficos: recrean el conflicto entre la libertad y el destino marcado, resuelto generalmente a favor de la libertad personal.
Entre otras obras: La vida es sueño; La hija del aire. - Comedias de capa y espada: son las más fieles al estilo de Lope, se trata de enredos amorosos que se resuelven felizmente.
Ejemplo: La dama duende.
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El monólogo en verso del pobre Segismundo (en La vida es sueño, de Pedro Calderón de la Barca), preso desde su nacimiento por orden de su padre, que pone palabras eternas a aquella idea tan propia del Barroco (pero en la que muchos siguen todavía indagando) de que la vida es sueño, una sombra, una ficción... que toda la vida es sueño, y los sueños, sueños son.
Texto tomado de: Diente de León |
Página web con recursos, vídeos, consejos y dirección a la hora de hacer una obra de teatro en el ámbito escolar
http://teatro.es/es/recursos/teatro-en-el-aula/presentacion
http://teatro.es/es/recursos/teatro-en-el-aula/presentacion
EXPOSICIONES ORALES
OTROS ENLACES DE INTERÉS
- http://es.wikipedia.org/wiki/Petrarca
- http://amediavoz.com/petrarca.htm
- http://www.epdlp.com/escritor.php?id=2140
- http://www.cervantesvirtual.com/FichaAutor.html?Ref=1378
- http://es.wikisource.org/wiki/Francesco_Petrarca
- http://www.elalmanaque.com/santoral/junio/1-6-laura.htm
- http://es.wikipedia.org/wiki/Laura
- http://www.ccgediciones.com/Sala_de_Estar/Biografias/Petrarca.htm
- http://grandes-amores.blogspot.com/2008/11/francisco-petrarca-y-laura-de-noves.html
- http://es.wikipedia.org/wiki/Garcilaso_de_la_Vega
- http://www.los-poetas.com/c/garci.htm
- http://www.garcilaso.org/cronologia.htm
- http://www.danielarrieta.com/espanol/literatura/garcilaso.html
- Cronología de Garcilaso
- Garcilaso en la Wikipedia